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El próximo 4 de Abril se estrena en España una película dedicada a Joe Strummer, el líder de la mítica banda punk, The Clash. La película, titulada Vida y Muerte de un Cantante (aunque el título original es el sugerente The Future Is Unwritten, como siempre, los traductores españoles estropeando el climax), gira en torno a la vida y obra de este genial artista, tanto al frente de los Clash, como con su posterior proyecto The Mescaleros, a través de un documental con imágenes tomadas de actuaciones, entrevistas, etc. La película ha sido dirigida por Julian Temple, un experto en estas lides, ya que él fue el que dirigió el documental La Mugre y la Furia, que giraba en torno a los Sex Pistols.

Así, quería aprovechar este estreno para hablar de la que, en mi opinión, es una de las mejores bandas de todos los tiempos: The Clash.

La formación nació en medio de una Gran Bretaña convulsa, en la que el punk empezaba a despuntar, como un movimiento rebelde y reivindicativo ante la situación de precariedad de la sociedad de la época, algo heredado del movimiento subversivo de las bandas americanas como The Stooges, la banda del simpar Iggy Pop, o los Ramones, o incluso del garaje rock de la Velvet Underground. Este movimiento llevó el rock más allá de los límites establecidos, haciéndolo más sucio y, pretendidamente chapucero, con riffs de guitarras descolocados, escasos arreglos, y los pocos existentes de una calidad expresamente mala, y unos tempos más bien rápidos y apresurados. Pero lo esencial era el mensaje que transmitía, un mensaje de clara reivindicación social, sacando a la luz las injusticias sociales, hablando de un sistema opresor y expresando el No Future, al que estaban condenadas las nuevas generaciones. También hacían una apología bestial de las drogas y la transgresión, y proclamaban el Do It Yourself, el Hazlo Tu Mismo, algo que siempre caracterizó a este movimiento.

El grupo fue fundado en 1976, por Joe Strummer, de autentico nombre John Mellor, y Mick Jones, y luego se sumaron al mismo Paul Simenon y Nicky Headon, al bajo y la batería respectivamente.

Su primer disco, titulado The Clash, fue un rotundo éxito, especialmente gracias al single White Riot, éxito repetido en el segundo álbum, Give’em Enough Rope, llegando a competir directamente con la banda de John Lydon, por convertirse en los iconos del punk.

Estos dos primeros discos marcan una tendencia claramente punk, aunque la enorme amplitud de miras de Strummer, les llevo a la experimentación mas allá de los límites del punk más puro, y de esta inquietud nació, en 1979, el que es su álbum más emblemático, London Calling, que tiene una de las portadas más famosas de la historia de la música, con Simenon simulando romper el bajo contra el suelo.

Este álbum les catapultó a lo más alto, y les abrió las puertas de los Estados Unidos, y ya resulto curioso al tratarse de un doble LP, algo poco habitual en las bandas de rock de aquel entonces.

Como decía, con este disco, rompieron esquemas, alejándose del punk más puro para acercarse a estilos como el blues, el post disco, el rock más puro, el pop melódico o el reggae y el ska, su vertiente más festiva.

En este álbum destaca, aparte de ese himno que es London Calling, otras obras maestras como el genial Guns Of Brixton, Lost In The Supermarket, Clampdown, Jimmy Jazz, Rudie Can’t Fail, Train Vain o Spanish Bombs, tema que tiene como contexto la Guerra Civil española.

Tras el éxito conseguido con este sublime álbum, decidieron ir más allá, tanto en la mezcolanza de estilos, como en el número de cds, y, ya en los 80, sacaron un triple cd llamado Sandinista, en el que se atrevían con estilos tan dispares como el country, el jazz, el góspel, e incluso el hip hop, y haciendo hincapié en el reggae y sus derivados, como el ska y el dub. Incluso se atreven con algo tan anti punk, como es el perder el tiempo en los arreglos y la producción.

De aquí forman parte maravillas como Charlie Don’t Surf, Bankrobber, The Street Parade, Broadway, el divertidísimo Ivan Meets G.I. Joe o, por supuesto, el tema emblema del álbum, esa joya llamada The Magnificent Seven.

Sus fans más recalcitrantes, especialmente los de tierras británicas, acogieron este cambio con mala gana, pero el tiempo ha dado la razón a sus defensores, y hoy día nos encontramos ante una de las obras sonoras más importantes de todos los tiempos.

Tras este trabajo, volvieron a sorprender con Combat Rock, trabajo que les reconcilió con sus fans, al volver al lado rockero de su sonido. Este trabajo será recordado, sobre todo, gracias a esos dos hits que son Should I Stay Or Should I Go y Rock The Cabash, y supuso el mayor éxito comercial de la banda.

Tras esto, las tensiones no tardaron en aflorar y el co-fundador Mick Jones, abandonó la banda, dejando el grupo cojeando, y eso se vio en el último álbum de la formación, Cut The Crap, que fue un rotundo fracaso.

En 1986, y tras un viaje a España de Strummer, que siempre ha sido un ferviente amante de nuestro país, este decidió disolver la banda, y cada uno decidió seguir su carrera en solitario.

Ahora, el próximo viernes tendremos la oportunidad de vivir, en nuestras carnes, esos sublimes momentos gracias al film documental sobre la vida de Strummer y la carrera de una de las bandas más importantes de todos los tiempos.

Aquí teneis unos vídeos emblematicos:

London Calling:

Guns Of Brixton:

The Magnificent Seven

Rock The Cabash

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Retoma el grupo que mejor ha afrontado por aquí el punk pop en los últimos años. Desde Estepona, Málaga, el trío formado por Jose (batería), Pepe (bajo), y Adolfo (guitarra, voz) deja de lado temporalmente un poco el surf, para dedicarse más a unas melodías contundentes, sin casi dar un respiro a quien lo escucha.

Desde sus comienzos con Mondo Cretino (2000, Wild Punk Records) ha sido un grupo muy seguido por parte de un público fiel al que se le han ido añadiendo cada vez más personas gracias al boca a boca, a las recomendaciones particulares y a l chute de vitalismo que da este tipo de grupos si son buenos.

Airbag sí llevan bien a la práctica la fórmula de canciones de dos minutos asentadas en un bajo contundente, una batería mantenida, guitarras con unos riffs pegadizos y la parte indispensable: una voz que dé la contundencia necesaria a las letras para hacer de cada canción un pequeño dardo con el que disfrutar. Adolfo, en este caso, cumple bien el papel de líder vocal, ya que aporta a los diferentes temas esa chulería y a la vez, seguridad sin necesitar un segundo plano por no tener suficiente voz. A todo esto se une un elemento más para conseguir un buen cóctel: las letras. No se buscan letras existenciales que hablen del discurso de Schopenhauer o el último almuerzo de Burroughs, son otros aspectos los que centran el interés de la banda, quienes se muestran más interesados por el día a día, por la cotidianidad y por las relaciones chico-chica, todo ello bajo un prisma gracioso, pegadizo y con clichés recurrentes.

 Vemos una de las mejores en “Ahí Viene la Decepción”, todo un hit para la banda, abordando un tema tan común últimamente como son las apariencias dentro de cierto sector en la sociedad, donde una camiseta de The Clash es comprada en H&M y luego no se sabe ni quiénes son The Jam, o del propio grupo que se lleva como estampa. Aquí los estepeños se marcan un buen tanto, como lo hacen antes en “La Estrella Invitada”, abordando la superficialidad con un tempo más animado y los clichés acertados (Desde La Hora Chanante hasta la Rockdelux). Por otra parte, donde se muestran más surferos es en “Golpe Al Sueño de Verano”, en “De un Verano a Otro”, en la que los coros hacen ver a Los Fresones Rebeldes pero como si hubiesen tomado hormonas. Pero el resto es más ramoniano, como se puede ver en el inicio protagonizado por “Spoiler”, pegadiza y con una letra muy buena, “Comics y Posters” aumentando por si fuera poco la potencia en las guitarras., y así la mayoría de las canciones restantes, entre las que se cuelan algunas que repiten demasiado un sonido previsible y acaban cansando.

El trío andaluz plantea un cuarto trabajo fresco, muy alegre y que sin duda convencerá a sus seguidores de siempre, pese al cambio hacia terrenos más duros. A los que no les convence mucho este sonido, casi mejor que se esperen a otra referencia. 

Tracklist:

1        Airbag        Spoiler
2        Airbag        Comics y Posters
3        Airbag        Salva Mi Domingo
4        Airbag        Golpe Al Sueño de Verano
5        Airbag        Un Día de Furia
6        Airbag        Tus Rechazos Golpean Dos Veces
7        Airbag        De un Verano a Otro
8        Airbag        En el Primavera
9        Airbag        La Estrella Invitada
10      Airbag        Ahí Viene la Decepción
12      Airbag        Usted Morirá en el Espacio
13      Airbag        Surf Instrumental Para Separar Fases

Airbag - “Comics y posters”

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Tras la disolución de 1998 el proyecto Los Carradine decía adiós, desde 1989 se mantenían en pie y sólo publicaban su material en maquetas. Venían desde grupos como Los Mentirosos y Marta y los Grifos, e incluso telonearon a Steve Wynn una vez, pero por diversos motivos un buen proyecto puso fin a su mezcla entre guitarras contundentes y letras irónicas. Se llega al 2004 y se vuelven a unir, irónica aquí también una posible comparación con grandes grupos como The Who, The Police o The Jam (pese a que Paul Weller les dejase tirados y se presentasen como From The Jam), de los que Los Carradine se encuentran a años luz, pero coinciden con las reuniones de los grandes, para bien o para mal.

Vuelven al formato maqueta, otras dos entre 2004 y 2005, una por año, y el cuarteto este año se queda sin uno de sus miembros, Nacho abandona dejando a Rafa, Xavi y Antonio en calidad de trío. Ya en 2007 consiguen lo esperado, publicar su primer largo, trasladar la efectividad de sus maquetas a un largo mejor distribuido y accesible a una mayor cantidad de personas. Bajo el título Sospechoso Tren de Vida encaran el reto, y no decepcionan.

Hacía falta un grupo con un buen sonido, que no quedase en los esquemas típicos de Soziedad Alkohólika, Boikot o Hamlet, y que afrontase con unas letras de protesta ciertos temas. Grande-Marlaska ya lo empezaron a hacer hace unos años pero con el pop como base y menos punk que estos barceloneses. Así Los Carradine cubren con su debut en Strange Ones, la discográfica que también ha dado la posibilidad de debutar a un grupo tan dispar a ellos como son Manos de Topo, este nicho de mercado tan abundante en los países de los que se inspiran ellos en su sonido.

Vemos entonces a grupos variados pero con una premisa clara: fuerza y potencia en letras y música. Nombres como Violent Femmes o The Clash son los primeros que se vienen a la cabeza cuando está sonando Sospechoso Tren de Vida, pero también otros de aquí como Siniestro Total o Los Enemigos. Lo mejor de fuera y lo mejor de dentro, el cóctel promete. Y el inicio, donde encadenan buenas canciones de no más de dos minutos y rápidas, lo confirma con “Sonad a Los Smiths”, buena letra como las que vendrán a partir de ahora, efectividad y un estribillo pegadizo pero a la vez enmascarado. “Vietnam Sentimental” mantiene la buena forma, con la política como buen telón de fondo, el coro entrando, y versos que podrían sustituir a “This Is The End” de The Doors en Apocalypse Now (1979, Francis Ford Coppola), con una pegada buena para los charlies de fondo. Pero no todo son temas de tempo rápido al estilo más punk, sino que también se marcan una buena balada a unos de sus ídolos en “Billy Bragg”, con quien tocaron hace poco, y dejan una de sus mejores letras y más comprometidas, repitiendo el verso utópico “no pasará el gran circo liberal” varias veces.

Después irónicos como pocos con el tema en el que recuperan a su padre, “No Es Que Fuera Mod”, llamando macarras a muchos de este movimiento, en “Empleado del Mes” con una letra muy hiriente; “Los Cipreses Creen en Dios (Pregúnteme Cómo)” que pasará junto al tema “Quiénes Son Los Curanderos” de Triángulo de Amor Bizarro al recuerdo de muchos como uno de los buenos temas de los últimos años.

Luego ya llegan muchos temas que no guardan este nivel, son más flojos y van diluyendo la fuerza con la que comenzó el trabajo. “Satélite” o “Siempre Hay Sitio”, no son malos temas, muy presentes Los Enemigos por ahí, pero les falta el empuje que tenían las anteriores, al igual pasa con “¡Qué Cantautor!”, de letra graciosa pero menor unión con una melodía mejor. Aún así, firman un buen disco, un disco necesario para una escena que canta demasiado a ciertos temas banales y que se olvidan de otros más importantes. Los Carradine tienen, parafraseando una de sus canciones citadas, siempre un sitio si siguen por esta línea.

MySpace: http://www.myspace.com/loscarradine

Tracklist:

1        Los Carradine        Sonad a Los Smiths
2        Los Carradine        El Nobel de la Pau
3        Los Carradine        Vietnam Sentimental
4        Los Carradine        Maquinación Para Alterar el Precio de Las Cosas
5        Los Carradine        Billy Bragg
6        Los Carradine        Los Cipreses Creen en Dios (Pregúnteme Cómo)
7        Los Carradine        Empleado del Mes
8        Los Carradine        Siempre Hay Sitio
9        Los Carradine        Antinana
10      Los Carradine        No Es Que Fuera Mod
11      Los Carradine        Putolider
12      Los Carradine        Hago Aviones
13      Los Carradine        Satélite
14      Los Carradine        Domingos
15      Los Carradine        ¡Qué Cantautor!
16      Los Carradine        Las Amantes del Amor
Los Carradine - No es que fuera mod

Billy Bragg & Los Carradine

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En 2007 el trío catalán anunciaba su disolución, habían pasado cuatro años desde que Padi, Luciana y Rocío decidiesen dar forma a Sybil Vane, y tres años desde que versos como: “Somos una explosión de feromonas, que sólo parecen calmarse con los deportes y la masturbación”, se colasen entre lo destacado de la escena española. Ahora, en 2008, el grupo ha dejado un notable vacío difícil de suplir.

Al grito de que las chicas son guerreras, de que no sólo imberbes adolescentes pueden hacer pop punk en el garaje de su casa, Sybil Vane se establecía en la línea de grandes grupos como Bikini Kill, otros de la corriente Riot Grrrl, y con gran peso de las inigualables Sleater-Kinney. A diferencia de las estadounidenses, ellas no preferían melodías tan oscuras, sino la estructura de Bikini Kill y Ramones para facturar hits que fuesen recordados uno a uno, añadiendo ciertos matices o juegos para esta función. La apuesta por el español como idioma les da la posibilidad de impactar más fácilmente entre un público que a veces rechaza buscar los significados de la lengua anglosajona, y sobre todo con el español consiguen distinguirse de una mera copia de los grupos de la tierra de las barras y estrellas como tantos otros.

Todas las letras guardan su pequeño universo que roza entre lo absurdo y lo gracioso, entre la ironía y la crudeza, temas reales y temas inventados con una cierta visión peculiar de cómo ven el mundo que les rodea. Para ello sólo hay que escuchar “Hongos”, donde versos como: “Oh, mama no entres en la habitación, estoy en una extraña posición. ¡Hongos! ¡Hongos!” se repiten sin causar ningún aburrimiento, sobre una melodía alegre propia de los sesenta pero con una letra que en ningún caso hubiese sigo propicia de esos años.

Cydonia Records dio el primer paso para ficharlas contagiados por la buena sensación de sus directos. Así graban este Mermelada de Tomate que rápidamente se agota y pasa a manos de BCore Disc, quienes reeditan dicho trabajo un año después, contando con la colaboración de otro miembro de banda catalana como es Jens Neumaier (12Twelve), sustituyendo a Lluis Cots a la producción. 

Consiguen un sonido fresco, en el que tanto puede verse el surf oculto de las girl bands de los 60s, y la potencia del pop punk ya mencionado. Temas como “Invisible Sin Desaparecer del Todo” y “Agua en Los Bolsillos” no son fáciles de quitar de la cabeza, se mantienen y consiguen dar la campanada en la subida guitarrera. Más pop con “Heynanana” apostando por los casi dos minutos. Y ya en inglés en “Yo Disparo Tú” y en francés “Pomme de Terre”, en las que el rock es más crudo. Para finalizar, también incluyen una acústica con una guitarra desnuda, consiguiendo una de sus letras más trabajadas.

Fue una mala noticia que con tan solo dos discos en el mercado, –Turismo de Interior (2007, BCore Disc) fue una continuación excepcional que merece otra reseña aparte– el trío femenino dejase esta prometedora carrera. ¿Ahora quién cantará a los hongos?

MySpace: http://www.myspace.com/sibylvanegirls

Tracklist:

 1        Sibyl Vane        Iba a Decirte
2        Sibyl Vane        Arde Puente
3        Sibyl Vane        Invisible Sin Desaparecer del Todo
4        Sibyl Vane        Agua en Los Bolsillos
5        Sibyl Vane        Pomme de Terre
6        Sibyl Vane        Heynanana
7        Sibyl Vane        Yo Disparo Tu
8        Sibyl Vane        Pachorra
9        Sibyl Vane        Hongos
10      Sibyl Vane        Acústica
11      Sibyl Vane        Funhouse
12      Sibyl Vane        El Sabe Que le Estamos Mirando
13      Sibyl Vane        Bananas

Sibyl Vane - Turismo de Interior

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Los chicos de Manchester regresaban en 1982 con su cuarto largo bajo el brazo, un álbum que iba a suponer un gran paso en su carrera. El post-punk estaba tocado desde la muerte el 18 de mayo de 1980 de Ian Curtis y con él, la voz más característica de este género. Además Curtis dejó a su grupo sin su líder, con un disco redondo recién publicado –Closer (1980, Factory)– y un EP póstumo –Love Will Tear Us Apart (1981, Factory)– en el que aparece una de las mejores canciones de la historia.

Pero no todo el post-punk se limitaba a los desvaríos oscuros de Joy Division y a toda la camarilla que englobaba desde a The Fall hasta a Public Image Limited pasando por Bauhaus o Siouxsie & The Banshees. La escena era un hervidero de propuestas con un alto grado de calidad pese a girar la mayoría sobre un mismo sonido. Entre todas había algunas que usaban los ingredientes típicos del género para darlos una nueva visión, grupos como 23 Skidoo que comenzarían con el industrial desde muy pronto o los propios A Certain Ratio, quienes tenían el funk oculto en su primera referencia y después se dedicaron a mezclar ambos estilos.

El artífice del cambio de miras fue Donald Johnson, gran seguidor de Funkadelic, quien entró a la batería al poco de publicar el primer single con Factory. Así temas de The Graveyard and the Ballroom (1979, Factory) se contagiaban de los ritmos del grupo de George Clinton. “Flight” o “Do the Du” eran una prueba de que no iban a sonar idénticos a todos sus compañeros. Si este hecho no quedaba suficientemente claro Martin Hannett a los mandos en el segundo disco lo iba a aclarar todo más.

Característico el toque de Hannett, siempre impregnando de ritmo cualquier canción que se le apareciese en sus manos. Desde la magnífica aportación a The Durutti Column, al Movement (1981, Factory) de New Order y a toda la trayectoria de Joy Division; hasta lo que vendría después cuando poco antes de morirse por un fallo en el corazón produjo el Bummed (1988, Facotry) de Happy Mondays. Hannett el productor adecuado en ese momento para trasladar del post-punk al funk más oscuro a los de Manchester.

To Each (1981, Factory) era el largo esperado. Una confluencia perfecta de los géneros buscados, mientras todos salían de lo oscuro para ir derivando a una new wave con mucha paja comercial, otros preferían irse por otras vías más difíciles. Fue el disco de los problemas, ya que tras la grabación en New Yersey con Hannett, un incompetente ingeniero estadounidense borró casi todo el trabajo del productor, teniendo que volver a hacerse de forma que el resultado no acabó siendo del agrado de la banda.

Aún así el disco fue bien recibido, el grupo no quiso perder este momento de auge y produjo rápidamente más material. Sextet (1982, Factory) era la transición hacía I’d Like To See You Again (1982, Factory) en un mismo año. La música se contagiaba de ritmos africanos como el buen funk. Era un sonido más claro, ya dejaban de lado la escena de Manchester oscura para preferir un funk vanguardista en la línea de Pigbag, 23 Skidoo o The Pop Group.

Los diferentes instrumentos casaban en una gran producción hecha por ellos mismos. Así ritmos clásicos se contagiaban de un baile más propio de unos años más tarde de los clubs de electrónica. Las trompetas eran en la mayoría de los casos los instrumentos que daban el ritmo unidas a un bajo pegadizo, como no podía ser de otra forma en este sonido. También los samplers entraban junto a las voces corales negras. Cada elemento estaba muy cuidado para transmitir el baile. “Hot Knights” se guarda un medio tempo sin variar en la base, “Saturn” con las trompetas tiene las subidas aseguradas, “I’d Like to See You Again” prefiere quedarse en un sonido más tradicional, “Show Case” es el bajo por excelencia y la distorsión en las voces junto a “Axis”, y remata “Guess Who” con un gran ritmo pegadizo.

La trayectoria de A Certain Ratio influenció (y sigue haciéndolo) a muchos grupos, ya que la combinación de tantos elementos, como posteriormente harían derivando a terrenos más experimentales, les hace ser un buen grupo de referencia. Lo que por hoy se entiende como dance-punk no es más que una evolución de grupos y discos como estos. Siempre hay un origen, y en muchos casos es mejor que las secuelas posteriores a este.

Web Oficial

A Certain Ratio - Shack Up

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