Regresan los galeses Los Campesinos! con una nueva producción titulada “Hello Sadness“, que ya está a la venta. Abajo podemos ver el video que da título al disco, dirigido por Casey Raymond y Ewan Jones Morris.

Se trata del cuarto trabajo en estudio del combo, luego de ‘Hold on Now, Youngster‘, el segundo ‘We Are Beautiful, We Are Doomed’ y el tercero ‘Romance Is Boring‘.

El disco, lanzado vía Wichita Records, se describe como el más melódico y directo del grupo, incluyendo “canciones de amor, pérdida y corazones rotos“. Todo el material puede escucharse en steaming desde aquí.

Formado por siete integrantes (Ellen, Gareth, Neil, Tom, Kim, Rob ‘Sparky Deathcap’ y Jason) en la Universidad de Cardiff, Gales, a principios del 2006, el grupo intentará con este nuevo trabajo retomar la senda dejada en sus primeras producciones.

Este es el video de  ”Hello Sadness“:

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Sitio oficial

Cada uno de los artistas que participan en “Beatside” son parte de la lista de artistas que están unidos fielmente a Unrilisy que reflejan el fértil paisaje techno de Nápoles.

Joseph Capriati abre el trabajo con ”Spring Sprouts” en forma de techno agitado y nos demuestra porque lleva algunos años editando en sellos tan importantes como Drumcode, convirtiéndose en uno de los actores claves del movimiento techno.

El jefe del sello, el veterano Rino Cerrone, nos ofrece ”Pitch Black”, mostrándonos todas sus habilidades en un groovy track de tech-house de carácter muy juguetón.Mientras tanto su compatriota napolitano Markantonio estalla sintetizadores discordantes en su ”Need Breack”.

Gaetano Parisio baraja stabs filtrados en abundancia en ”Black Out” marcando el punto medio del EP, mientras que Sasha Carassi se pone más oscuro y nos presenta un “Tetrahertz” de tonos más agresivos.

Para finalizar, Luigi Madonna cierra este  ”Beatside” en forma de dub muy sutil.

1. Spring Sprouts -Joseph Capriati
2. Pitch black – Rino Cerrone
3. Need breack – Markantonio
4. Black out – Gaetano Parisio
5. Tetrahertz – Sasha Carassi
6. Crazy Horse – Flavio Diaz
7. Papershit – Luigi Madonna

 Lo cierto es que las expectativas, al menos en mi caso (quiero pensar que también en el de los que escuchasen su maqueta en bandcamp), eran altas, muy altas. Como un señor con gigantismo de grandes. Y no solo no las han decepcionado, sino que se han visto superadas con creces. Dolores, con Disco Póstumo, entregan una colección de canciones que funciona a las mil maravillas tanto como eso mismo, una colección sujeta a un orden o secuencia, como siendo extraídas al libre albedrío del oyente para degustar por separado o en alternancia con otras de diferentes grupos. Lo de un lp así es casi un anacronismo a día de hoy, hay que remontarse a casos que confirman la excepción o a otras épocas, cuando los discos de pop eran mas una compilación de singles que un lp concebido como tal de base. Reverencia aquí ante ellos, pues.

 Para hablar de las canciones casi remitiría al lector a la gran y certera reseña que ha hecho Cristóbal Fortunez (Fauna Mongola), pues lo que diga aquí va a ser abundar un poco en lo dicho por el. No por copiar, sino porque suscribo cada una de sus palabras. En todo caso, ya que habéis malgastado tiempo leyendo los 2 párrafos anteriores, procedo a robaros un poco mas de vida. Como no podia ser de otra forma, el disco se inicia con Cortafuegos, certera forma de convertir a un oyente dubitativo eventual en fan acérrimo de por vida. Ojalá todos los discos comenzasen así, joder. Fiebre De, al igual que la anterior, ya la conocíamos de la maqueta. Un 2 de 2 en este primer tramo del disco, donde las canciones ya eran familiares y se va a lo seguro (se conserva la estructura de la maqueta), ya que se reafirma al fan con las nuevas mezclas y el neófito queda rendido salvo que sea mongólico, tronista o ambas cosas.

 Cocodrilos de Marfil es esa jodida maravilla con la que cerraron el concierto de debut, una canción sobre la que hay que extenderse. Es atrevida como pocas, ya que evidencia una decidida vocación pop, pero durante sus casi 5 minutos avanza rehuyendo los patrones clásicos de este genero: la extensión duplica el standard del pop, la canción se va definiendo a si misma con calma pero con convicción en sus credenciales, la sección rítmica mira de reojo al kraut de Neu!… Me sigue pareciendo una de las 3 mejores canciones del año, y es una barbaridad que no hace mas que crecer a cada escucha. No Hay Lugar continua con la espiral de triunfos, siendo otra de las canciones inmediatas de Dolores que daría gusto alguien radiase en los diales nacionales. Y van 4 de 4. La completitud que Carl Jung atribuyese a este numero solo se demuestra con el inicio de este disco.

 Temblor se ha convertido con la nueva producción en un autentico monumento a la oscuridad sónica con un punto etéreo. KDR continua siendo tanto o mas buena que en la maqueta (las guitarras tienen ahora otros desarrollos en su parte final), otro de esos himnos fácilmente coreables que tan sencillos de componer parecen en manos de Dolores. La Estructura De Las Revoluciones Científicas ha visto como se añade un doble coro bizarro (en su acepción valiente) en forma de lo que parece un cacareo (¡!) para seguir siendo otro monumento no ecuestre al pop. Nicho/Loft, que recuerda para bien a los Garbage de su primera época (los de los singles perfectos) cuenta con unos cambios de ritmo que preceden a un parón donde Teresa se desgañita hasta el punto de tener que tomar aire. Creo recordar que esta cancionza en directo era interpretada con ayuda de un megáfono, ese genial artefacto para arengar a las masas. La locura.

 Volcán, en su parte instrumental, recuerda a ese genero bastardo del techno que era/es el schranz, concretamente a algunas producciones de Chris Liebing y Chris McCormack, aunque probablemente me equivoque y el grupo me vete de sus conciertos por gilipollas. Hacer una canción pop con esta agresividad sonora es algo que pocas veces había visto; en el panorama nacional ninguna, desde luego. Lo mismo era esta canción la que precisaba de ayuda de megáfono, ya no recuerdo. Avda De América cierra estos 36 perfectos minutos de una forma coherente con lo recorrido hasta llegar aquí, o sea, manteniendo el listón altísimo y coaccionando al oyente para que, una vez terminada, vuelva a poner el disco de nuevo. Una y otra vez. Y luego, una mas.

Dolores – temblor

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Dolores – cortafuegos

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 Este single lo encontré de casualidad en una famosa cadena de tiendas de segunda mano a un precio que, en primera instancia, me pareció razonable: 50 céntimos. Al salir y echar un ojo a la galleta la impresión mejoro, pues resulto ser que contenía dos copias del mismo 7 pulgadas. Ya en casa todas estas buenas impresiones se esfumaron nada mas comenzar la reproducción del vinilo, transformándose en maledicencias a grandes voces por mi parte y hasta alguna que otra blasfemia, o eso creo recordar. Uno siempre va dispuesto a que sus ídolos entreguen lo mejor de si mismos para así poder corresponder con otra entrega a nivel fan que proceda del reconocimiento y no de la ceguera (o sordera en este caso), pero no pudo ser. Tuve que sacar corriendo del tocadiscos esta bosta y hacerme una limpieza auditiva a base de reproducir 7 veces consecutivas los grandes éxitos de Fernando Esteso, el que fuese su pareja (cómica, no de tálamo) en algunas de las mejores comedias bufas que ha dado el parque fílmico español. Mano de santo.

 La cara a, Todo El Tiempo Del Mundo, se trata de una parodia de un conocido tema del duermemozas Manolo Otero, el que fuese marido de María José Cantudo allá por los 70. La pieza original es difícil (una suerte de fondo Midi con Manolo mojando bragas en modo spoken word), casi vanguardia de lo rancio, aunque justo es reconocer que el director de cine Baz Luhrmann hizo lo mismo en 1999 con el tema everybodys free (to wear sunscreen) y se hincho a vender copias del single, pero lo de Andrés es de traca: usando la misma base concatena durante 3 minutos una sucesión de gracias que no llegan ni a coña marinera, fallando en su objetivo por completo y provocando en el pobre oyente una sensación de angustia solo comparable a Enya intentando hacer de reír también. Inenarrable es poco. Probad un día a ponerla en una fiesta si queréis espantar a la gente, pero no aseguro que los asistentes descarten tomar medidas legales contra vosotros. La verdad es que solo se explica como un poner a prueba Andrés a sus fans.

 La cara b abunda en ese dar grima, asco, vergüenza ajena y repeluco a partes iguales. Madame Gigi es, después de la canción comentada en el anterior párrafo y su descendencia, el peor error que cometió Andrés pajares durante su longeva y destacable carrera. El rol que asume Andrés es una parodia de una pájara del Cono Sur que daba consejos de belleza hace eones por la televisión, antes incluso de que existiese Sábado Gigante en Galavison o su equivalente de Telemundo. Esta imitación se hizo bastante popular en el ente televisivo español a finales de los sesenta, cosa que no dice nada bueno de nuestros ancianos padres, la verdad. La grabación es algo que escapa a definiciones: no deja de ser una pieza hablada que recopila momentos presuntamente humorísticos de Madame Gigi, en la línea de los lps que grababan Pepe Da Rosa (Senior y Junior), Manolo de Vega y el muy bizarro Joe Rigoli, pero la etiqueta, siendo honestos, seria Puta Mierda. Algo a no escuchar jamás.

 En definitiva, una decepción viniendo de quien viene (Andrés, 7 años antes, nos había regalado el mágico Drácula Ye-Ye y después se resarciría con la canción principal de la película de Don Mariano Ozores El Currante), pero un fan ha de estar a las duras y a las maduras. Lo que no quita que, en perspectiva, me siga pareciendo un atraco haber pagado 50 céntimos de euro por dos copias.

Andres Pajares – todo el tiempo del mundo

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 Las composiciones ya existentes incluyen a Johnny Jewel por partida doble (con su proyecto italo Desire y la monumental Under Your Spell, que podría ser perfectamente una composición de M83 bajando el pitch, y con una pieza de corte mas experimental bajo el seudónimo The Chromatics), una descontextualizacion inesperada de una bizarra pieza compuesta por el maestro Riz Ortolani para uno de los mondos de los documentalistas Gualtiero Jacopetti y Franco Prosperi (Mondo Cane) y la enésima revisión del sonido Daft Punk y el disco saturado de filtros de Thomas Bangalter a cargo de su compatriota Kavinsky (con Lovefoxxx de Cansai De Ser Sexy a las voces). Todas cumplen a la perfección a la hora de intensificar el efecto pretendido por el director en la escena en la que aparecen, por lo que no responden a intereses mercadotécnicos de aprovechar el tirón de la película para así colocar en el mercado unas cuantas copias de la banda sonora. Ni mucho menos. Y nos descubren a un francés que vive anclado en los 80, College.

 College es David Grellier, un francés que con sus producciones y su sello Valerie Records demuestra que el italodisco no siempre ha de ser una horterada, sino que, como parece lógico, depende del buen hacer de quien este detrás para saber oscilar entre lo frívolo y lo romántico sin terminar de decidirse por alguna de las partes. A Real Hero ya había parecido hace casi 2 años planchado en 300 copias del sello belga Flexx, pero era algo solo conocido por los yonquis del italo. Aprovechando la coyuntura favorable de la (merecidísima) fama que le ha proporcionado Drive decidió sacar 300 copias en 7 pulgadas hace casi un mes en su sello, con un diseño que incluye la tipografía ochentera de los carteles y logos de la película. La cara b es la versión instrumental, que se antoja perfecta para que el productor aficionado intente hacer un mash up en su casa (las vocales del Kim & Jessie de M83 creo que serian un buen comienzo), pero la chicha esta en la cara a, que es la canción que aparece en la película durante varios pasajes. College teje con capas de sintetizadores y ruiditos falsamente analógicos una maravilla que, de ser Giorgio Moroder su padre, podría morir tranquilo por saber que su legado continuara expandiéndose a través de su vástago. Y el dúo canadiende Electric Youth compone unas vocales extrañas, sugerentes, fantasmagóricas y pegadizas que terminan por convertir el esfuerzo de francés y canadienses en una canción de diez. No se me ocurre mejor canción para las escenas en las que aparece (bueno, quizá el Tell Me What To Swallow de Crystal Castles, pero habría que descartarla por lo sórdido de su letra, la cual pegaría mas en un telefilm de abusos sexuales incestuosos), siendo ahora difícil no acordarse del personaje encarnado por Ryan Gosling (que en un principio recuerda a ese lobo solitario que era el Kowalsky de la mítica Vanishing Point, para pasar a pagafantear mas que Gorka Otxoa en la pelicula de Cobeaga tras enamorarse de Carey Mulligan), pero también funciona a la perfección sin necesidad de haber visto la película, de forma totalmente independiente. Acojonante.

 Una maravilla de 7 pulgadas que da una segunda oportunidad a la canción de obtener el reconocimiento que demuestra merecer. Las 300 copias ya están agotadas, pero debido a la inmensa demanda que hay Valerie Records sacara una nueva tirada. No os lo perdáis. La película tampoco, claro, que para ser obra de un daltónico y estar hecha bajo la premisa de ser una película de John Hughes en la que, a partir de un instante concreto,el protagonista asesina a todo el mundo, es notable.

College – a real hero

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 Hace años la cosa no era así. Si uno tenia interés en la música y en algún grupo en particular, antes o después buscaba nexos que le llevasen a descubrir los otros grupos en los que se basase esa formación, así como proyectos paralelos de sus componentes, grupos que compartiesen productor, singles cuya portada estuviera a cargo del mismo equipo artístico, bandas de la misma discográfica y hasta las demos de esa groupie que se crujieron todos sobre un pinball tras un ensayo. Este single de Tullycraft, aun siendo normalito, cumple de sobra en ese aspecto proporcionando numerosas referencias entre letras, discográfica y la versión que realizan en la cara b. Creo que es la primera vez que hablo de un artefacto que valoro mas por aspectos como el recién comentado que por sus cualidades sonoras. Ya, se que no es serio, pero lo considero justificado de sobra, pues los vínculos son exquisitos.

 Tullycraft son una banda de Seattle tirando a mala cuyos miembros, antes de conocerse, tenían un bagaje disperso cuyo máximo logro fue compartir créditos con Television Personalities en un 7¨ bajo el nombre de Wimp Factor 14. Dicho ep fue publicado por Little Teddy Recordings (sello alemán regentado por los miembros de The Bartlebees, muy amigos de Dean Wareham, vocalista invitado en la versión original de la canción versionada en la cara b), y luego fueron repartiendo sus tonadillas por Darla, Harriet, Papercut y Magic Marker Records. No hace falta que busquéis la discografía, porque desde ya os digo que es un poco mierder. Quedaos con las referencias, que hablando de ellos así por encima , a lo tonto, ya han salido Dan Treacey, Dean Wareham (Galaxie 500, Luna, Cagney & Lace, Dean & Britta), el sello Darla y, subrepticiamente, The Magnetic Fields (cuyo All My Little Words suena en Extraterrestre, la nueva película de Nacho Vigalondo). Con esto ya tenéis para hacer un recopilatorio sublime e ir al cine a lo seguro.

 De Twee ya dije hace tiempo al reseñar un single de Horowitz que me parecía una cosa forzada y casi impostada, opinión que mantengo. La canción en si no deja de ser un name dropping de libro bajo una alfombra pop default, así que me limitare a destacar, de nuevo, las referencias, que si son golosas: Sarah Records (el mítico sello suicida), Little Teddy (el sello de los amigotes teutones de Dean Wareham y Dan Treacey), The Lucksmiths (banda pop australiana recientemente desaparecida, con un buen puñado de singles fantásticos), Slumberland (el sello indie por excelencia en EEUU, casa de TPOBPAH y Veronica Falls), 14 Iced Bears (magnifica banda de Sarah Records, recientemente reunida para girar), the band that would be king (documental inédito en españa sobre el grupo Half Japanese), throw Aggi off the bridge (cita de la genial canción homónima de Black Tambourine, la cual a su vez transmitía a través de la voz de Pam Berry el deseo de que Stephen Pastel empujase desde un puente a Annabel Wright (Aggi) para poder intimar con el) y fuck me i´m twee, que a posteriori se convirtió en el nombre de una serie de fiestas twee y base del sello Twee As Fuck (solo han publicado un 7¨ en 3 años, de Comet Gain). El resto de referencias son coñas privadas de Tullycraft con grupos de la escena postgrunge de Seattle, por lo que tampoco pasa nada si las obviamos.

 La cara b si que tiene mas enjundia, pues se trata, como adelantaba hace un párrafo, de una versión de una canción de Stephen Merrit, ese jodido genio de la música. La versión original la hizo bajo el nombre de The 6ths, proyecto financiado por London Records a mediados de los 90 que le permitió colaborar con gente tan destacada como Amelia Fletcher (Talulah Gosh), Georgia Hubley (Yo La Tengo), Stuart Moxham (Young Marble Giants) y el citado Dean Wareham, que es quien canta en dicha versión. Aquí poco puedo decir de la versión del single (que es correcta, sin mas), porque teniendo un original que supone la colaboración de dos de las personas mas relevantes de la música contemporánea, darle mas protagonismo a la versión (pese a ser parte del objeto de critica) seria atentar contra el buen gusto y terminar faltando a Tullycraft por haber osado mancillar una obra perfecta. Falling Out Of Love (With You) añade a la orfebrería technopop DIY de Merrit la inimitable voz de Dean Wareham, con una letra sobre un proceso de desenamoramiento que le viene como anillo al dedo, pues parece un descarte de Galaxie 500 (no en lo musical, ya digo, que es puro Magnetic Fields) a juzgar por su estructura lírica y pasajes como diseñábamos cajas de ritmos y su contraposición posterior diseñamos sintetizadores. Maravillosa, como no podía ser de otra manera.

 En definitiva, un disco que vale mas por lo que arroja al escuchar la letra que por como suena. Pero en unos tiempos en los que nadie presta atención su posible utilidad es completamente inútil.

Tullycraft – twee

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Tullycraft – falling out of love with you

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Si Los Simpsons (durante sus primeras once temporadas) se convirtieron en el mejor análisis sociológico posible de la población occidental de los últimos 40 años, El Payo Juan Manuel hizo lo propio a través de sus canciones y procederes con la sociedad española. Juan Manuel Cardona Bonilla es la quintaesencia de lo español, para bien y para mal; no en vano ha vivido basculando entre su Andalucía natal y la Cataluña que le vio dar sus primeros pasos como artista (en pleno auge de la rumba y durante el subsiguiente esplendor de fiesteros como Peret, gente a la que ni Carmina Ordoñez podría haber seguido el ritmo en una farra), por lo que se puede decir que conoce la península de Norte a Sur. Mientras que medianías como Juan Manuel Serrat o Joaquín Sabina concatenan homenajes y parabienes, al Payo se le viene negando todo reconocimiento sistemáticamente, pese a ser mejor letrista que ambos tuercebotas. Y lo que es peor, su presencia en los medios (salvo el magnifico articulo que el ex The Refrescos y ex Petersellers Alberto Sobornez le dedicase en el nº 22 del seminal Fanzine Mondo Brutto) se reduce exclusivamente a entrevistas muy espaciadas entre si o comparecencias ante el cretino de Javier Cárdenas, agravios a todas luces inmerecidos tras todo lo que ha aportado a la nación. No digo que haya que beatificarle, pues seria El Payo el primero en declinar esta condecoración religiosa desde un Bingo, pero una festividad en su honor terminaría de equilibrar las cosas. Y ojocuidado, que aquí no hay uso alguno de la ironía o el sarcasmo, eh; si continuáis dudando vedle algún día haciendo el molinillo mientras sostiene un copazo en perfecto equilibrio, que para entonces guitarristas como Paco de Lucia os parecerán principiantes.

La cantidad de himnos que ha dado El Payo al acervo ibérico es algo que esta aun por superar. Auténticos himnos de autobús (tanto si se va a unas Convivencias siendo estudiante como si se acude a un puticlub en una macrodespedida de soltero) como El Mejillón, Me Corro Me Corro, La Cigala, El Pasota En Benidorm o Tapate María, de títulos ya de por si bastante elocuentes y dignos de un Nobel de Literatura, no como el moñas zoofílico ese del burro, Juan Ramón Jiménez. Himnos de los que se desconoce si están basados en el saber popular o es este ultimo el que se vale de ellos; sea como fuere, hay una retroalimentación y una simbiosis entre El Payo y el pueblo español. Porque sus letras, por mucho que los tíos de ahora vistan como afeminados y nunca salgan de casa sin su IPhone o cualquier mariconada similar, reflejan de donde viene, donde para (en un bar, SIEMPRE) y adonde va el ciudadano español. Se puede intentar camuflar con buenas formas y hasta conocimientos de protocolo lo que somos, pero el genoma esta marcado y nunca cambiara el arquetipo nacional masculino: ese salir de casa para llegar tarde al trabajo o absentarse del mismo, ese faltar al prójimo de forma gratuita mientras se conduce un coche feo cual ataúd con pegatinas, ese ir al bar a comer un menú del día y soplarse casi 2 litros de alcohol de distintas graduaciones en menos de una hora, ese volver (o no) al trabajo achispado y tener agarradas con clientes, compañeros y el payaso del jefe, ese pasar de nuevo por el bar antes de volver a casa a decir cosas a volúmenes absurdos mientras se ve el futbol o un debate entre fachas y rojos de mierda y, finalmente,  ese subir ya al hogar y levantarle la mano a la parienta a falta de algo mejor que hacer antes de desplomarse sobre el sofá. Esto es así, y va implícito a toda letra del Payo, nos guste o no.

Tomemos por ejemplo una de las canciones mas bruscas de Juan Manuel, el clásico Niña, No Te Modernices, pese a que el single comentado sea otro. Aquí se evidencian gran parte de las constantes del Payo (la palma rumbera, los elementos sónicos ajenos a la rumba que integra en dicho genero, la dicción relajada y hasta incorrecta -ese descriminada legendario- pero pegadiza), dejando ver incluso la costura de sus influencias para con las letras, que no son otras que Emilio El Moro, el contexto social y el comentario tabernario de eructo y codazo (o codazo y eructo, tanto da). El estribillo, que responde a un muy español causa-efecto (donde la causa seria la liberación de la mujer según los patrones feministas sin mediar una transición que facilitase las cosas al Payo), reza un precioso, insuperable e inconcebible a día de hoy la cogí del cuello, la tire al colchón, me lanze hacia ella, la di un palizón. Por lista, y por puta. Una canción que podría tararear perfectamente Bibiana Aido, un poco por lo pegadiza que resulta y otro tanto por haber dejado ya la Cartera de aquel Ministerio de broma que regentaba, siempre y cuando se dejase de lado la falsa afectación que enmascara intereses de lucro personal. Porque aquí El Payo, de manera consciente o inconsciente, se marca una cancionaza inmortal mientras moja el dedo en colonia para meterlo en la llaga. Y así otras cuantas veces durante su voluminosa trayectoria (incontables singles y 33 lps según dice el mismo, amen de numerosas cassettes de gasolinera que le convierten en uno de los primeros artistas que abogan por la mixtape, adelantándose a otros visionarios como Fernando Esteso o el artista spoken word Manolo De Vega), la cual debería entristecernos saber que termino en la oficina de Vale Music, aquella vergüenza nacional. Ojalá Luis Calvo (Elefant Records), Tanis Abellan (Jabalina Música) o algún otro gerifalte de discográfica indie le ofrezca un contrato para tener en nomina, por fin, a un artista realmente independiente.

La cara a contiene un clásico popular que, humildemente, creo debería sustituir al horrísono himno nacional, ya que es infinitamente mejor y toda la población se lo sabe. Hablo, ni mas ni menos (y aquí deberíais hacer una reverencia tras leer el nombre), de Lairo Lairo, titulo precioso que evoca jolgorio como pocas cosas pueden. No creo que nadie lo desconozca, igual solo los lectores de otras latitudes, pero por si acaso, he aquí una breve transcripción de la porción mas famosa de su maravillosa letra: una vieja y un viejo van pal Albacete, y en mitad del camino va y se la mete (la mano en el bolsillo saca un billete). Todo bien regado de palmas y curiosos arreglos de viento, hasta el loquísimo parón de ponme una bebida que este de moda, que la beben los americanos, la Coca Cola, la Coca Cola, que se canta en el marco de un bar, como no. Y el simpático cierre con un recuerdo a los mas pequeños, cual Duque de Feria: una niña en un baile se lo chupaba, caramelo de menta que le gustaba. Ni que decir tiene que la versión en directo difiere cosa fina de la grabada, tanto por la presencia tangible de Juan Manuel y su atuendo (botas, pantalones acampanados de colores imposibles, camisas de cuellos uberdimensionados abiertas hasta donde abalorios y pelamen forman un uno, patillones recuerdo de La Legión, pelazo indomable, toda suerte de oropeles repartidos por muñeca y manos y gafas de sol Aviador de Benidorm en ocasiones muy señaladas) como por el sentido que confería a las letras. En directo podía optar directamente por hacer la rima soez, con lo que las diferencias entre grabación y actuación venían a ser casi un ejercicio semántico pocas veces visto (una vez oída la versión en directo la versión grabada siempre tendrá ese significado, pese a terminar las rimas con otros significantes) y el directo se convertía en un acto contracultural de primer orden, donde tenían cabida tanto la gerontofilia como la pederastia. Eso si es pansexualidad y no cuando un moderno se declara asexual por Twitter, coño ya.

La cara b entrega una de las facetas menos conocidas de Juan Manuel, la rumba seria (comienza como una sardana) con intenciones elevadas. Concretamente, el hermanamiento entre Norte y Sur en forma de homenaje charnego a Cataluña. Incorpora pasajes en catalán sencillito (Barcelona es bona bona, si la bolsa sona sona), tipo el que podía hablar en la intimidad durante aquellos pactos bizarros Josema Aznar con Jordi Pujol, y referencias varias a las excelencias catalanas (playa, clima, gastronomía y folklore) para terminar despejando toda duda acerca de su objetividad con un esto lo puedo decir porque yo no soy de aquí, ay, que yo soy de Sevilla, y ahora me he quedado aquí. Magnifico, de verdad. Que la cosa loca no ha de estar reñida con la concordia, y por eso, y por venir de quien viene, me lo creo.

Un single fundamental para descubrir a uno de los señores mas fenomenales de aquí. Si algún día veis una cassette en una gasolinera mientras aprovecháis para tomar un carajillo camino de Jaén y hacer de cuerpo antes de continuar la marcha no dudéis en comprarlo para ponerlo en sustitución de ese disco de mierda de Vetusta Morla que llevabais puesto. Y ya allí, tras haber parado en Casa Pepe a degustar una recia comilona rodeados de guardias civiles, aprovechad para visitar su Bar, El Rincón del Payo. Tanto o mas mítico que aquel Amador granadino al que cantasen Los Planetas.

El Payo Juan Manuel – lairo lairo

(Version regrabada con añadidos)

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 En todos estos proyectos Roger parece vivir anclado entre la publicación de los primeros singles de Talulah Gosh y los 2 primeros años de la década de los 90, por lo que su sonido no puede ser mas C86. Canciones imperfectamente perfectas de menos de 3 minutos con voces de la compañera que toque según la formación de la que hablemos. En The Garlands esta labor recae en Christin Wolderth, coautora de las canciones según los créditos del single. Para esta grabación añaden a Patrick Lindgren (guitarra), Einar Ekstrom (guitarra, también el Le Futur Pompiste y a cargo de las mezclas aquí), Maria Petterson y Robert Klaesson a la batería (también en Hari & Aino, cuyo 7¨ en Cloudberry Records recomiendo encarecidamente). Otra cosa son los directos, a los que Roger pasa de acudir optando por figurar entre el publico o, directamente, quedarse en casa. En total han publicado desde su creación en el año 2008 menos de 10 canciones, destacando por encima de todo el split single compartido con The Sugarplums en Atomic Beat Recordings (donde The Pains Of Being Pure At Heart publicaron otro split con los desaparecidos Parallelograms que se cotiza a cifras astronómicas cada vez que asoma por Ebay), y como no publiquen grabaciones caseras o inéditas mucho me temo que la cosa seguirá tal como ahora. Una pena.

 La cara a esta ocupada en su integridad por You Never Notice Me, que ya conocíamos de su primera demo y que no ha variado prácticamente nada en esta nueva versión grabada a principios de año. Las guitarras afiladas dejan la canción a medio camino de Talulah Gosh y The Rosehips, mientras Christin canta una dramática letra de no correspondencia por ser su fulgor menor que el de otra sueca (si, soy un desastre, pero ella luce perfecta en ese vestido y siempre brillara mucho mas que yo). El estribillo eleva a tonos próximos a los Smiths el nivel de los lamentos: ¿Recuerdas cuando casi cogí tu mano? No entendiste que casi salvaste mi vida. Vamos, que juntamos al Morrissey ochentero con la Christin actual con la excusa de ver una película así medio triste y el festival de pucheros y lagrimas seria de órdago. Como para irse de fiesta con ellos, ¿eh?

 En la cara b aparece Continue, correctísima canción que sigue la senda sónica del grupo. La letra no puedo pasar a describirla, pues el contenido del 7¨ se limita a lo esencial y ni siquiera viene un triste inserto donde echar un ojo; tampoco se entiende gran cosa, pero me atrevería a aventurar que no deja el tono lastimero de Christin, que a este paso va a ser la reina del drama sueco. La verdad es que hubiese preferido que regrabasen la magnifica Why Did I Trust You? para este lado del single, aunque da un poco igual. Lo importante, realmente, es celebrar que Roger siga haciendo canciones, sea bajo tal o cual nombre y con esta o aquella compañera. Un autentico orfebre del pop que merece mayor reconocimiento. Como Bedroom Eyes.

The Garlands – you never notice me

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 Toda esta defensa de la paja como medio de vida viene a colación de lo poco que se prodiga en el mundo pop, cuando una y otra cosa deberían ser términos complementarios. Salvo en el terreno R&B y algunas aberraciones musicales sudamericanas, los cuales parecen concebidos para ser escuchados con un par de kleenex en la mano, el resto de la música esta algo asexuada o no hace justa apología del autoerotismo, que es algo adolescente por definición y, por lo tanto, extremadamente pop. Que una cosa es que tal o cual grupo (como las ya tratadas Girls At Dawn, sin ir mas lejos) de cosquillicas en el bajo vientre y otra bien distinta es que se hable a las claras del toqueteo para con uno mismo. Y no sera por la calidad de los grupos que en un momento dado han compartido con sus fans confidencias de wc: Pixies, The Divinyls, The Who, Frankie Goes To Hollywood, The Buzzcocks, The Violent Femmes, Devo, Elvis Costello, Devo… y aquí, en España y a su manera, El Payo Juan Manuel, Juampa y La Raja, La Polla Records y El Chivi también han bregado lo suyo por la normalización del pajezote como costumbre sana y no anatematizable. Que lo censurable no es proceder a ello, sino hacerlo con depravaciones tipo el video de Sara Montiel mostrando su casa en toda su monstruosidad, en el caso de ellos, o Jorge D´Allesandro haciendo un panegírico futbolístico de los suyos en Punto Pelota, en el caso de ellas.

 The Teenagers sacaron este 7 pulgadas en 2007, y con el se hicieron sombra a si mismos como creadores del mas inteligente hit del año. Son 3 franchutes que parecen sacados de una continuación apócrifa para videoclub de La Revancha De Los Novatos, atendiendo a nombres tan nerdos (hieden a seudónimo cosa fina) como Michael, Dorian y Quentin. Comenzaron allá por el 2005 con la sana idea de hacer el idiota, sin mas, pero la broma torno en grupo de singles perfectos (su único álbum es muy irregular, si bien contiene joyas como Sunset Beach) y se vieron obligados a dar conciertos, conocer a Katy Perry (si esta aparece desnuda, entonces Internet si que no podrá ofrecer nada mas a la humanidad) y remezclar a Britney Spears. Cosas muy pop todas, al igual que su música, una suerte de synth-pop ochentas con eventuales guitarreos. Pero donde lo petan los amigos, amen de poniendo caras mongas en sus brillantes videoclips, es en el tema de las letras: aun no se si son subnormales o unos genios. El humor cafre y misógino del que hacen gala en canciones como Homecoming no se escuchaba desde el No Te Modernices, Niña de El Payo Juan Manuel, terminando por no quedar claro si son unos vivales mojabragas, unos impersonators de macho alfa, unos románticos empedernidos o unos sabios observadores que ponen en tela de juicio muchos lugares comunes de la interactuacion entre hombres y mujeres en la sociedad occidental cuando hay intenciones de ayunte (siempre, vaya) por detrás. Solo ellos lo saben. Mejor que siga el misterio.

 Aquí, con 2 únicas canciones, se sacaron 4 años antes de la aparición de las ya famosas fotos de Scarlett la perfecta banda sonora para el incidente, y con una lógica interna entre la cara a y su opuesta pocas veces vista. Si la primera gira en torno al homenaje tuno y postmoderno a la susodicha, la segunda es su consecuencia lógica, una oda a la masturbación. Una causalidad escolástica irrebatible: te pajeas porque has visto las fotos de la Johansson. Y no hay mas tu tía, que se cumplen las 3 condiciones que dan validez a este principio. Escarbando mas en cada una de las canciones encontramos otros motivos para alabar a los Teenagers. Por ejemplo, en Starlett Johansson, la cosa parece quedar en una simpática enumeración de guiños postmodernos a la chavala, pero creo que va mas lejos: es una burla en toda regla al acosador default de famosos y, simultáneamente, el himno perfecto para todo stalker de Scarlett. Sintetiza en pocas estrofas lo que este ha de decir para importunarla si algún día coincide con ella, no teniendo que temer así por un quedarse en blanco ante la presencia de su musa. O la musa de sus pajas, mejor dicho, por quien ha vertido hectolitros de semen. Y el factor idiota no se queda atrás, eh, que el parón con las menciones a Jared Leto, Josh Hartnett y sus respectivas películas y relaciones con la californiana hace mucho de reír de puro idiota. Del romanticismo ciego que subyace en todo lo que cantan no digo nada por lo que comentaba en el párrafo anterior. Hasta que ellos no se pronuncien no me mojo.

 Selflove, en la cara de las pajas, no puede ser mas autoexplicativa desde su titulo. Por supuesto que también hace mucha risa marialuisa y continúan con las referencias pop postmodernas (Christina Aguilera y sus videoclips de puta) sobre la base del Homecoming con pocas variaciones de acordes, solo que añade reflexiones lucidas acerca de la masturbación: estimulación, necesito algo de acción/Mi alivio deriva en depresión. Una gran verdad; si la consabida tristeza post-coito es algo real y casi tangible, cual no sera la bajona al terminar una faena en la intimidad mas solitaria del lugar donde cada uno/una de nosotros proceda a aliviarse… Para colmo, los muy cabrones dejan un sentimiento raruno en el oyente cuando, al pasar a enumerar todos los nombres de féminas con los que se tocan, dejan caer un viril Roger, como dando a entender que quizá quien ha puesto el vinilo debería probar (en caso de ser tío) a pajearse pensando en chulazos, o bien que alguno de ellos come ternera y cena lenguado. Lo que fuera. Lo que no deja lugar a dudas es el modo de acabar la canción: se corta. Tan abrupto como el final de un pajezote, claro que si.

 Que no os engañen sus pintas, The Teenagers son listos de cojones.

The Teenagers – starlett johansson

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 La carrera de este señor ha conocido varias etapas, todas con distintas inquietudes y maneras de concebir la música. Antes de sacar este La Voz De Su Amo (titulo en español que alude a la discográfica y cadena de tiendas HMV) había tanteado la canción ligera y la cosa musical intelectualizada (era amigo de Karlheinz Stockhausen, y no cuesta imaginarles juntos haciendo putadas por teléfono a John Cage), donde se descolgaba con composiciones de casi 20 minutos sostenidas en dos únicos acordes y discos llenos de desarrollos progresivos y Farfisas inenarrables. Algo después, ya casi entrados los 80 y en plena fiebre italodisco, dio un giro a su carrera demostrando que un Casio PT-8 como el que cualquiera recibimos de obsequio en nuestra Comunión es un instrumento muy valido para hacer música siempre y cuando tengas en mente unas cancionazas como las suyas. Porque aquí el señorito se ha marcado unas cuantas canciones de dejarte con los huevos a ras de suelo y pensar mientras las escuchas ¡me cago en su tocha, no existe nada mejor, maldito estronzo di merda! Si creéis que es una exageración escuchad La Estación De Los Amores, La Vía Láctea o La Cura. No solo eso, encima es todo un hombre del Renacimiento: hace películas, pinta, filosofa con su amigo Manlio Sgalambro y se permite participar en Eurovisión acompañado de una sosainas que sabia le impediría ganar. Titanazo.

 El pop que hace Franco (que raro ha sonado, ¿eh?) le aproxima a un techno-pop orquestal que es perfectamente radiable. O era, porque a 30 años de su publicación las preferencias del publico van por otros derroteros, cosas mas chabacanas y asi como para refrotarse con una cajera del LIDL en la Fiesta del Apagón del cualquier polígono. Escuchando algunas canciones, especialmente las que tienen que ver con el cosmos, la inmensidad de cosas que no comprendemos y similares, veo que el 2º disco que nunca llego a grabar Family, aquel que se rumoreaba giraría en torno a un astronauta perdido fuera de su nave, seria sin duda deudor de Battiato. Seguro que Javier Aramburu es fan, como lo son Antonio Galvañ (Parade), Los Punsetes, Jota (Los Planetas), German Coppini (Siniestro Total), La Monja Enana, Triangulo de Amor Bizarro y Abel Hernández (Migala). Y Carlos Berlanga, claro. Que seguro tenia una o dos copias del millón que vendió este disco. Bueno, tampoco podría olvidar a DJ Syto, que creo un himno por la concordia entre el pueblo español y el shurmano tan conmovedor como su Me Cago En Esos Putos Rumanos con el Yo Quiero Verte Danzar de base.

 Abre Summer On A Solitary Beach, que resulta perfecta para dicho menester, pues define el sonido del disco por completo pero sin ser el hit mas claro, cosa que perjudicaría de secuenciar un éxito evidente como primera canción. Pese a que el titulo sugiera que Franco quiere conquistar el mercado anglosajón, solo hay una sentencia en ingles. El resto se antoja imprescindible escuchar en su original italiano, pues si bien es cierto que la adaptación al castellano corre a cargo del propio Battiato y no se traiciona, a veces si que se ve obligado a alterar según que elementos en favor de la métrica o la rima. Una introducción al mondo Battiato excelente. Bandera Bianca, que fue adaptada de manera notable hace pocos meses por Triangulo de Amor Bizarro en su 10¨ Amigos Del Genero Humano, es un himno que no hace mas que crecer a cada escucha, siendo ya de por si su construcción en forma de grower. Cuando una canción suelta como primera frase un Mister Tamburino yo no quiero bromear, pongámonos la camiseta los tiempos cambiaran, en una pulla contra el intocable Bob Dylan, sabes que estas siendo testigo de algo excepcional. Y si luego esa pulla tiene continuidad pero también la dirige contra si mismo ya hablamos de unos niveles de excelencia casi inalcanzables: hay quien se pone unas gafas de sol por tener mas carisma y sintomático misterio. Pasa después a demoler ídolos como su adorado Nietzsche con yo prefiero la ensalada a Beethoven y Sinatra, a Vivaldi uvas pasas que me dan mas calorías. Y el estribillo con el Coro Madrigalisti Di Milano, ese Sul Ponte Sventola Bandera Bianca. Sin palabras. Pelos como spaghettis antes de cocer.

 Gli Uccelli chapa esta cara a. Destaca la belleza que confieren las cuerdas al primer minuto de la canción, y el modo dulce de Battiato al cantar, que es alternado con técnicas mas propias de un tenor. Un tema que seguro adaptarían los chulazos de Il Divo de tener cierto criterio. La cara b se inicia con lo que puede parecer una boutade de Franco, un joder adrede un disco perfecto, pero tras serias dilucidaciones he llegado a la conclusión que Cuccurucucu es otra genialidad, un hit demencial en toda regla que cuenta con una onomatopeya de rata con alas como estribillo pegadizo a mas no poder y una especie de letra elaborada bajo la libre asociación de elementos que hacen que piense también en Antonio Luque (Señor Chinarro) como fan de ese señor. La parte final de la canción fue fusilada por Blondie en su retorno con la mariconada de Maria (versionada por jj este año, curiosamente) hace ya tiempo. Dicha parte se convierte en una suerte de medley de frases extraídas de canciones de los Rolling Stones y los Beatles, para mayor bizarrismo. Ole. Segnale Di Vita es la que mas se acerca en términos rítmicos al techno-pop, con un bombo y línea de bajo (¿caja de ritmos?) que recuerda al aun no compuesto Blue Monday de New Order y, por ende, a todas las canciones de Family. Muy bien, pero es la que menos destaca.

 Centro Di Gravita Permanente es una maravilla de estribillo ambiguo que Franco se harto de presentar por las televisiones de toda Europa (cosa que provoco la necia imitación del infame grupo ¿humorístico? Martes y 13). Porque busco un centro de gravedad permanente que no varíe lo que ahora pienso de las cosas de la gente puede ser tanto el deseo de que nada te aliene el pensamiento como el querer ser alienado hasta el extremo de tener un pensamiento controlado de forma exógena (el centro de gravedad) que permanece inamovible. Un lio que no termina de aclarar Battiato con los bailes que se marca en el videoclip. Y cierra el disco con una obra maestra, Il Sentimiento Nuevo, donde canta de una manera tan sublime al arrastrar las vocales en el estribillo que hace que a todo ser con un mínimo de sensibilidad se le dilate el esfínter hasta el punto de poder alojar una manada de ñus dentro. Lo que se dice un Stendhal auditivo que te cagas.

 Pues eso, escuchad el disco, iluminaos con el y aprovechad para condenar la existencia de la familia Trueba, cuyo miembro mas joven, Jonás, cometió el crimen de usar una canción de Battiato para musicar una escena de su mierda de opera prima, Todas Las Canciones Hablan De Mi.

Franco Battiato – bandera bianca

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Franco Battiato – il sentimiento nuevo

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