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Desde el sello Unrilis propiedad del artista Rino Cerrone nos llega este 12 “, también disponible a través de descarga digital en forma de recopilación de tracks de artistas del sello como son Joseph Capriati, Markantonio, Gaetano Parisio, Luigi Madonna, Flavio Diaz Sasha Carassi y el propio Rino Cerrone. El nombre de esta compilación es “Beatside” y en ella se representa perfectamente el modus operandis del sello Unrilis.

Cada uno de los artistas que participan en “Beatside” son parte de la lista de artistas que están unidos fielmente a Unrilisy que reflejan el fértil paisaje techno de Nápoles.

Joseph Capriati abre el trabajo con ”Spring Sprouts” en forma de techno agitado y nos demuestra porque lleva algunos años editando en sellos tan importantes como Drumcode, convirtiéndose en uno de los actores claves del movimiento techno.

El jefe del sello, el veterano Rino Cerrone, nos ofrece ”Pitch Black”, mostrándonos todas sus habilidades en un groovy track de tech-house de carácter muy juguetón.Mientras tanto su compatriota napolitano Markantonio estalla sintetizadores discordantes en su ”Need Breack”.

Gaetano Parisio baraja stabs filtrados en abundancia en ”Black Out” marcando el punto medio del EP, mientras que Sasha Carassi se pone más oscuro y nos presenta un “Tetrahertz” de tonos más agresivos.

Para finalizar, Luigi Madonna cierra este  ”Beatside” en forma de dub muy sutil.

1. Spring Sprouts -Joseph Capriati
2. Pitch black – Rino Cerrone
3. Need breack – Markantonio
4. Black out – Gaetano Parisio
5. Tetrahertz – Sasha Carassi
6. Crazy Horse – Flavio Diaz
7. Papershit – Luigi Madonna

 El próximo Lunes día 14 salen al mercado unos cuantos discos candidatos a ganarse la estima de cierto sector de la juventud española: el debut de Los Lagos de Hinault, el esperadísimo segundo lp de Juanita y los Feos y el disco que hoy me ocupa, el (espero) primero de una larga serie de grabaciones de Dolores. Para Juan, Teresa, Tahiche y Pablo ha ido todo relativamente rápido en los casi 6 meses transcurridos entre la presentación en directo de las canciones contenidas en este disco y su publicación oficial en formato físico al amparo de Origami Records, si bien es cierto que lo difícil (e inalcanzable en las mas de las veces para muchísimos grupos), el contar con un pequeño arsenal de canciones perfectas o notables en el peor de los casos, el disponer de esa munición infalible como único disparo al oído del oyente, ya estaba hecho desde antes de dicho concierto. Así que adivinamos han sido 6 meses de grabar pistas de audio y mezclar con paciencia infinita, buscando la excelencia o, simplemente, lo que ellos estimaban seria mejor. Y se nota. Vaya que se nota. Menudo discazo.

 Lo cierto es que las expectativas, al menos en mi caso (quiero pensar que también en el de los que escuchasen su maqueta en bandcamp), eran altas, muy altas. Como un señor con gigantismo de grandes. Y no solo no las han decepcionado, sino que se han visto superadas con creces. Dolores, con Disco Póstumo, entregan una colección de canciones que funciona a las mil maravillas tanto como eso mismo, una colección sujeta a un orden o secuencia, como siendo extraídas al libre albedrío del oyente para degustar por separado o en alternancia con otras de diferentes grupos. Lo de un lp así es casi un anacronismo a día de hoy, hay que remontarse a casos que confirman la excepción o a otras épocas, cuando los discos de pop eran mas una compilación de singles que un lp concebido como tal de base. Reverencia aquí ante ellos, pues.

 Para hablar de las canciones casi remitiría al lector a la gran y certera reseña que ha hecho Cristóbal Fortunez (Fauna Mongola), pues lo que diga aquí va a ser abundar un poco en lo dicho por el. No por copiar, sino porque suscribo cada una de sus palabras. En todo caso, ya que habéis malgastado tiempo leyendo los 2 párrafos anteriores, procedo a robaros un poco mas de vida. Como no podia ser de otra forma, el disco se inicia con Cortafuegos, certera forma de convertir a un oyente dubitativo eventual en fan acérrimo de por vida. Ojalá todos los discos comenzasen así, joder. Fiebre De, al igual que la anterior, ya la conocíamos de la maqueta. Un 2 de 2 en este primer tramo del disco, donde las canciones ya eran familiares y se va a lo seguro (se conserva la estructura de la maqueta), ya que se reafirma al fan con las nuevas mezclas y el neófito queda rendido salvo que sea mongólico, tronista o ambas cosas.

 Cocodrilos de Marfil es esa jodida maravilla con la que cerraron el concierto de debut, una canción sobre la que hay que extenderse. Es atrevida como pocas, ya que evidencia una decidida vocación pop, pero durante sus casi 5 minutos avanza rehuyendo los patrones clásicos de este genero: la extensión duplica el standard del pop, la canción se va definiendo a si misma con calma pero con convicción en sus credenciales, la sección rítmica mira de reojo al kraut de Neu!… Me sigue pareciendo una de las 3 mejores canciones del año, y es una barbaridad que no hace mas que crecer a cada escucha. No Hay Lugar continua con la espiral de triunfos, siendo otra de las canciones inmediatas de Dolores que daría gusto alguien radiase en los diales nacionales. Y van 4 de 4. La completitud que Carl Jung atribuyese a este numero solo se demuestra con el inicio de este disco.

 Temblor se ha convertido con la nueva producción en un autentico monumento a la oscuridad sónica con un punto etéreo. KDR continua siendo tanto o mas buena que en la maqueta (las guitarras tienen ahora otros desarrollos en su parte final), otro de esos himnos fácilmente coreables que tan sencillos de componer parecen en manos de Dolores. La Estructura De Las Revoluciones Científicas ha visto como se añade un doble coro bizarro (en su acepción valiente) en forma de lo que parece un cacareo (¡!) para seguir siendo otro monumento no ecuestre al pop. Nicho/Loft, que recuerda para bien a los Garbage de su primera época (los de los singles perfectos) cuenta con unos cambios de ritmo que preceden a un parón donde Teresa se desgañita hasta el punto de tener que tomar aire. Creo recordar que esta cancionza en directo era interpretada con ayuda de un megáfono, ese genial artefacto para arengar a las masas. La locura.

 Volcán, en su parte instrumental, recuerda a ese genero bastardo del techno que era/es el schranz, concretamente a algunas producciones de Chris Liebing y Chris McCormack, aunque probablemente me equivoque y el grupo me vete de sus conciertos por gilipollas. Hacer una canción pop con esta agresividad sonora es algo que pocas veces había visto; en el panorama nacional ninguna, desde luego. Lo mismo era esta canción la que precisaba de ayuda de megáfono, ya no recuerdo. Avda De América cierra estos 36 perfectos minutos de una forma coherente con lo recorrido hasta llegar aquí, o sea, manteniendo el listón altísimo y coaccionando al oyente para que, una vez terminada, vuelva a poner el disco de nuevo. Una y otra vez. Y luego, una mas.

Dolores – temblor

Dolores – cortafuegos

Franco es un monstruo. Esto, dicho así, nos pone en la pretérita piel de alguien que asiste asombrado a la bilocación de nuestro sátrapa mas admirado, Carnicerito de Ferrol, o cualquier otro que, ya con connotaciones negativas, asevera tal cosa tras sufrir alguno de los simpáticos abusos que ejecutara el enjuto militar a través de las fuerzas policiales. No va por ahí la cosa, no. Hablo de Franco (diminutivo de Francesco) Battiato, fenómeno aun mas grande que nuestro ex jefe de estado no electo. Un titán que solo puede ser explicado en función de sus propias circunstancias, un prohombre que comienza y termina en si mismo, su propio alfa y omega. Alguien que debería ser enseñado en las escuelas para evitar situaciones tan lamentables como la mía, que tuve que descubrirlo con una edad en la cual estaría casado y con 3 hijos en otra época. Un tío al que nadie invitaría a unos lonchazos (bueno, igual alguna economía muy desahogada, como la del Duque de Lugo, si lo vería viable), pero que justifica la existencia de ese horror estético y cuna del macarrismo que responde al nombre de Italia. Bueno, junto a Claudia Cardinale y Lucio Fulci.

 La carrera de este señor ha conocido varias etapas, todas con distintas inquietudes y maneras de concebir la música. Antes de sacar este La Voz De Su Amo (titulo en español que alude a la discográfica y cadena de tiendas HMV) había tanteado la canción ligera y la cosa musical intelectualizada (era amigo de Karlheinz Stockhausen, y no cuesta imaginarles juntos haciendo putadas por teléfono a John Cage), donde se descolgaba con composiciones de casi 20 minutos sostenidas en dos únicos acordes y discos llenos de desarrollos progresivos y Farfisas inenarrables. Algo después, ya casi entrados los 80 y en plena fiebre italodisco, dio un giro a su carrera demostrando que un Casio PT-8 como el que cualquiera recibimos de obsequio en nuestra Comunión es un instrumento muy valido para hacer música siempre y cuando tengas en mente unas cancionazas como las suyas. Porque aquí el señorito se ha marcado unas cuantas canciones de dejarte con los huevos a ras de suelo y pensar mientras las escuchas ¡me cago en su tocha, no existe nada mejor, maldito estronzo di merda! Si creéis que es una exageración escuchad La Estación De Los Amores, La Vía Láctea o La Cura. No solo eso, encima es todo un hombre del Renacimiento: hace películas, pinta, filosofa con su amigo Manlio Sgalambro y se permite participar en Eurovisión acompañado de una sosainas que sabia le impediría ganar. Titanazo.

 El pop que hace Franco (que raro ha sonado, ¿eh?) le aproxima a un techno-pop orquestal que es perfectamente radiable. O era, porque a 30 años de su publicación las preferencias del publico van por otros derroteros, cosas mas chabacanas y asi como para refrotarse con una cajera del LIDL en la Fiesta del Apagón del cualquier polígono. Escuchando algunas canciones, especialmente las que tienen que ver con el cosmos, la inmensidad de cosas que no comprendemos y similares, veo que el 2º disco que nunca llego a grabar Family, aquel que se rumoreaba giraría en torno a un astronauta perdido fuera de su nave, seria sin duda deudor de Battiato. Seguro que Javier Aramburu es fan, como lo son Antonio Galvañ (Parade), Los Punsetes, Jota (Los Planetas), German Coppini (Siniestro Total), La Monja Enana, Triangulo de Amor Bizarro y Abel Hernández (Migala). Y Carlos Berlanga, claro. Que seguro tenia una o dos copias del millón que vendió este disco. Bueno, tampoco podría olvidar a DJ Syto, que creo un himno por la concordia entre el pueblo español y el shurmano tan conmovedor como su Me Cago En Esos Putos Rumanos con el Yo Quiero Verte Danzar de base.

 Abre Summer On A Solitary Beach, que resulta perfecta para dicho menester, pues define el sonido del disco por completo pero sin ser el hit mas claro, cosa que perjudicaría de secuenciar un éxito evidente como primera canción. Pese a que el titulo sugiera que Franco quiere conquistar el mercado anglosajón, solo hay una sentencia en ingles. El resto se antoja imprescindible escuchar en su original italiano, pues si bien es cierto que la adaptación al castellano corre a cargo del propio Battiato y no se traiciona, a veces si que se ve obligado a alterar según que elementos en favor de la métrica o la rima. Una introducción al mondo Battiato excelente. Bandera Bianca, que fue adaptada de manera notable hace pocos meses por Triangulo de Amor Bizarro en su 10¨ Amigos Del Genero Humano, es un himno que no hace mas que crecer a cada escucha, siendo ya de por si su construcción en forma de grower. Cuando una canción suelta como primera frase un Mister Tamburino yo no quiero bromear, pongámonos la camiseta los tiempos cambiaran, en una pulla contra el intocable Bob Dylan, sabes que estas siendo testigo de algo excepcional. Y si luego esa pulla tiene continuidad pero también la dirige contra si mismo ya hablamos de unos niveles de excelencia casi inalcanzables: hay quien se pone unas gafas de sol por tener mas carisma y sintomático misterio. Pasa después a demoler ídolos como su adorado Nietzsche con yo prefiero la ensalada a Beethoven y Sinatra, a Vivaldi uvas pasas que me dan mas calorías. Y el estribillo con el Coro Madrigalisti Di Milano, ese Sul Ponte Sventola Bandera Bianca. Sin palabras. Pelos como spaghettis antes de cocer.

 Gli Uccelli chapa esta cara a. Destaca la belleza que confieren las cuerdas al primer minuto de la canción, y el modo dulce de Battiato al cantar, que es alternado con técnicas mas propias de un tenor. Un tema que seguro adaptarían los chulazos de Il Divo de tener cierto criterio. La cara b se inicia con lo que puede parecer una boutade de Franco, un joder adrede un disco perfecto, pero tras serias dilucidaciones he llegado a la conclusión que Cuccurucucu es otra genialidad, un hit demencial en toda regla que cuenta con una onomatopeya de rata con alas como estribillo pegadizo a mas no poder y una especie de letra elaborada bajo la libre asociación de elementos que hacen que piense también en Antonio Luque (Señor Chinarro) como fan de ese señor. La parte final de la canción fue fusilada por Blondie en su retorno con la mariconada de Maria (versionada por jj este año, curiosamente) hace ya tiempo. Dicha parte se convierte en una suerte de medley de frases extraídas de canciones de los Rolling Stones y los Beatles, para mayor bizarrismo. Ole. Segnale Di Vita es la que mas se acerca en términos rítmicos al techno-pop, con un bombo y línea de bajo (¿caja de ritmos?) que recuerda al aun no compuesto Blue Monday de New Order y, por ende, a todas las canciones de Family. Muy bien, pero es la que menos destaca.

 Centro Di Gravita Permanente es una maravilla de estribillo ambiguo que Franco se harto de presentar por las televisiones de toda Europa (cosa que provoco la necia imitación del infame grupo ¿humorístico? Martes y 13). Porque busco un centro de gravedad permanente que no varíe lo que ahora pienso de las cosas de la gente puede ser tanto el deseo de que nada te aliene el pensamiento como el querer ser alienado hasta el extremo de tener un pensamiento controlado de forma exógena (el centro de gravedad) que permanece inamovible. Un lio que no termina de aclarar Battiato con los bailes que se marca en el videoclip. Y cierra el disco con una obra maestra, Il Sentimiento Nuevo, donde canta de una manera tan sublime al arrastrar las vocales en el estribillo que hace que a todo ser con un mínimo de sensibilidad se le dilate el esfínter hasta el punto de poder alojar una manada de ñus dentro. Lo que se dice un Stendhal auditivo que te cagas.

 Pues eso, escuchad el disco, iluminaos con el y aprovechad para condenar la existencia de la familia Trueba, cuyo miembro mas joven, Jonás, cometió el crimen de usar una canción de Battiato para musicar una escena de su mierda de opera prima, Todas Las Canciones Hablan De Mi.

Franco Battiato – bandera bianca

Franco Battiato – il sentimiento nuevo

 Llevaba casi un mes esperando su vuelta, así que 5 o 10 minutos de retraso respecto a la hora acordada no suponían nada. Estaba nervioso. No sabia si todo seria igual que antes, si el tiempo transcurrido habría hecho mella. Cigarrillos y cerveza eran la única compañía hasta su llegada. Pensó por una fracción de segundo si la gente que allí estaba esperando, esos perfectos desconocidos, tendrían algo en común con su circunstancia. Ni idea, la verdad. Por fin llego. Se besaron y se convirtieron en uno mediante un abrazo. Todo estaba bien. Ahora si.

 Agosto. Tuvo que hacer un viaje largo e incomodo, con lo que odiaba y odia viajar. Un tren idiota y una pasajera a su lado no menos retrasada. Horas y kilómetros después se encontró mas cerca de Portugal que nunca, en una estación donde sus empleados construían frases con un alto contenido en palabrotas e imprecaciones. Salio a fumar y a esperar su llegada. No tenia ni la menor idea de como desplazarse por allí ni a que lugar ir. Ni siquiera sabia llegar al Hostal. Estaba vendido en ese sentido. En el emocional también, ella era la dueña. A santo de que el viaje si no. Y las gaviotas daban miedo, por lo que se sintió avergonzado. Joder, mas bajo no puedo caer, que me asusten unos pajarracos… Y apareció ella, esfumando todo temor y dando sentido al desplazamiento.

 Habían quedado por vez primera desde que se conocieron. Técnicamente no llegaba a ser una cita. Aun no sabe como entrar a definir aquello. Ni falta que hace. Estaba hecho un manojo de nervios. No quería cagarla quedando como un neurótico de mierda. Tuvo que esperar los 10 minutos de rigor. La verdad es que por ella había esperado 28 años, 10 minutos no eran nada. La percepción en su cabeza fue bien distinta. Le parecieron horas gracias a sus paranoias. Buah, al final no viene. Fijo. Ni de coña. No me jodas, parezco gilipollas. Me vuelvo a casa, a tomar por culo. Y apareció subiendo las escaleras del Metro, suprimiendo todas estas pajas mentales y grabando a fuego en su cabeza esa imagen para siempre. Ahí supo que la quería.

 Principios de Junio. Salio con un amigo a fumar y a decir chorradas. Lo habitual cualquier Viernes y sábado desde hacia lustros. No le apetecía una mierda estar en ese bar. No le gustaba lo mas mínimo y le recordaba lo hijo de puta que podía llegar a ser. Alguien entro al trapo cuando hablaban de John Travolta. A partir de ahí rankings, recomendaciones, consejos y chanzas. Su amigo se fue. Se quedo con ella, echándose ambos mas cigarros de los que tenían pensado fumar antes de salir. Se puso nerviosísimo, no esperaba esa petición. No le cuadraba no tener que ser el quien hiciese la propuesta. Al despedirse se besaron. No se sabe quien a quien, la verdad. Y mientras se iba en su cabeza solo sonaba una canción:

And you

You look like heaven

An angel who stepped from a dream

777 times lovelier than anything I’ve ever seen.

The Magnetic Fields – with whom to dance

Vale. Lo suyo habría sido recibir una promo y escribir estas torpes líneas sin recurrir a la filtración que apareció ayer por la red gracias a la discográfica londinense Bella Union. E incluso que Veronica Falls o su agente (¡hola, Vicky!) hubiesen contestado a las preguntas enviadas por mail con algo distinto al guarda cuidado que apareció en la bandeja de entrada del correo hace ya casi un mes, por aquello de publicitarles y tal. Pero como las cosas no se han desarrollado así, aquí estoy, pertrechado de Risketos y tabaco frente al portátil, dispuesto a hablar de uno de los discos mas esperados de este 2011, especialmente por todo el revuelo generado por los 3 magníficos siete pulgadas que había publicado hasta ahora este cuarteto.

 Vaya por delante que no guardo rencor alguno a Veronica Falls, dando por hecho que su maleducado mutismo responde al ajetreo que se les viene encima con eso de presentar su debut girando con The Drums y Dum Dum Girls. Lo entiendo, y el objeto de la critica, como siempre, son las canciones, las cuales siguen siendo magnificas, casi sublimes en el mejor de los casos. He de achacarles, eso si, que hay algo que no termina de cuadrar. Ni en el resultado final del disco ni en cuanto a la actitud que vienen mostrando. Lo primero sera desarrollado a partir del siguiente párrafo, pero lo segundo se evidencia desde su formación en el 2009 (cuando Patrick, baterista, y Roxanne, guitarra y voz, dejaron su Glasgow natal disolviendo sus 2 grupazos anteriores – The Royal We y Sexy Kids- para conocer en Londres durante un concierto de Comet Gain a James, guitarra, y Marion, eterna aprendiz de bajista). Su salto a la fama fue casi inmediato, haciendo un recorrido por discográficas chupis (Captured Tracks antes, Slumberland Records ahora) que pocos novatos hacen, teniendo esto que ver casi tanto con la calidad intrínseca de los 6 temas contados que formaban su repertorio como con la agenda del móvil de James y Patrick, que contaba con números como el de Stephen Pastel, Alex Kapranos (Franz Ferdinand), Stuart Murdoch (Belle & Sebastian) y Mike Sniper, jefe de Captured Tracks. Igualita que la de cualquiera de nosotros, eh, con ese numero que sacamos una vez del baño de un after y el de Asistencia En Carretera.

 El disco fue producido y grabado hace 4 meses por Guy Fixsen (el monstruo encargado de los 3 primeros eps de Moose, amen de alguna que otra cosita de Piano Magic y The Breeders), el cual impelió al grupo a regrabar algunas de las canciones que ya habían visto la luz anteriormente (Found Love In A Graveyard, lo primero que conocimos de ellos, sale ganando con un subidón antes del estribillo que es mas pronunciado que en su versión original) y dejo tal cual otras ya conocidas (Beachy Head esta como siempre, y Stephen otro tanto de lo mismo, o eso me parece). Esto, así como la polémica decisión (por cercana a la estafa de cara al fan que ya conociese al grupo y fuese disponiendo de su material conforme iba apareciendo) de incluir casi un 50% de canciones ya publicadas en el lp, flaco favor hace a Veronica Falls, que tendrían que haber sido mas espabilados en otro sentido (no en la mala acepción que le confiere a la palabra esta actitud por la que han optado) y haber sustituido gran parte del material ya conocido por la cara b (Try Again) del single de adelanto publicado hace poco en Slumberland, o por la versión del eighteen is over the hill de The West Coast Pop Art Experimental Band que grabaron a finales de este verano. Quien sabe, igual la guardan para el rumoreado single que debería publicar Elefant Records…

 El ultimo tema mentado da una idea de por donde van los tiros sónicos de Veronica Falls, a los que se suele meter alegremente en el saco de post C86 sin reparar en el alto componente psicodélico que les influye, como bien demostrase su versión del Starry Eyes de Roky Erickson (13th Floor Elevators). Pese a las quejas del anterior párrafo, lo cierto es que el disco son 12 temas que, si se pillan sin haber escuchado nada del grupo, saben a gloria absoluta. Quizá, y es un quizá muy matizado, el disco se puede hacer algo repetitivo en su penúltimo tramo, pero no llega a saturar ni de broma, si bien constata que Veronica Falls habrían lucido mucho mas siguiendo con la dinámica de publicar solo singles. Con su reconocible sonido mezcla de surf, psicodelia y twee a la escocesa concatenan temazo tras temazo sin despeinarse, permitiéndose titular una canción con el nombre del grupo (autoguiño que siempre mola) y otra con el de un sórdido corto del gran Richard Kern (The Right Side Of My Brain, canción que ya habían adelantado y que supone uno de los momentos cumbre del disco). Cohabita dentro del lp una maniobra tan rara como cerrar Misery con una capella de corte pastoral que habría quedado mejor como apertura del disco, antes de Found Love In A Graveyard, pero bueno, su motivo tendrían.

 El punto álgido esta justo al final, con la inmensa Come On Over, ejemplar temazo que con su intensidad rítmica evita que reparemos en la facilona letra, algo vergonzante, la verdad. La tríada Bad Feeling, Stephen y The Box vendría a ser el particular homenaje de Veronica Falls a como sonaba el bajo de Kim Deal en sus grupos de 4 AD, ya fuese en sus propias manos (Pixies) o en zarpas ajenas (The Breeders), si bien es probable que en el estudio fuese Guy Fixsen quien tocase (como ya hizo con Laika y Piano Magic) y no Marion, la cual ha declarado no tener aun gran dominio del instrumento. El resto de cortes (All Eyes On You y Wedding Day) cumplen correctamente, sin destacar sensiblemente, salvo The Fountain, que parece haberse inspirado demasiado en el Left of The Center de Suzanne Vega. Que tampoco pasa nada, ya que la canción de la americana es ejemplar.

 Un disco notable que podría haber calado mas de haber sido mas humildes Veronica Falls, por lo que deja cierto sabor agridulce. Aun con todo, resulta necesario: venderá miles de copias y esto supondrá la nueva aparición de singles de grupos desconocidos en Slumberland. Singles de los que, como poco, una canción merecerá la pena. Como el de Sexy Kids, sin ir mas lejos.

Veronica Falls – come on over

Veronica Falls – right side of my brain

De las girls bands que continúan en activo, las mas famosas probablemente sean Dum Dum Girls seguidas de cerca por Vivian Girls y las españolas Aias. Pero no las mejores. Mientras duraron, las canadienses The Organ marcaron unas cotas con su escasa discografía que solo queda al alcance de los grupos femeninos de laboratorio de mediados del siglo XX, y actualmente The Girls At Dawn, pese a su casi nula repercusión, no tienen rival. Vale que Dum Dum Girls facturen discos y eps notables (con Richard Gottehrer como productor así cualquiera) y estén jamonacas (aunque luego las ves de lejos a la salida de un Hotel antes de tocar y las confundes con unas chonis que han pactado vestir de riguroso luto Inditex por vete a saber que motivo), aunque ni siquiera en este ultimo aspecto pueden hacer sombra a las Girls At Dawn, pues parece que para ellas, y solo para ellas, se creo la expresión pajas de sangre. Vale, se que es un elemento carente de importancia a la hora de hablar/escribir acerca de su música, pero es verlas en cualquier video o foto y Onan aparece como conectado en el Messenger. Luego te anuncian el comeback de las Spice Girls y la libido se pilla unas largas vacaciones.

 Ana Economou (bajista), Sarah Baldwin (baterista) y Erin Campbell (guitarrista), de haber nacido hombres hace 20 años en Algete y haber encontrado un cantante en vez de pegar alaridos cada una de ellas, bien podrían ser los Nikis. No tienen ni puta idea de tocar. Nada. Se dedican a seguir la metodología de estos fenomenales madrileños, al menos en cuanto a lo que a la guitarra respecta: desplazan la mano por el mástil pulsando trastes al azar. Y el resultado cuesta creerlo de puro bueno. La metodología difiere levemente de los de Algete al superponer las 3 voces en todas las combinaciones que se puedan dar y tocar una cuerda del bajo de uvas a peras, mas que nada por amortizar la inversión en dicho instrumento. Pero cuidado, que aunque pueda parecer algo cacofónico a priori realmente tienen muy claro como quieren (y consiguen) sonar: punk-pop do it yourself. Y produce, graba y mezcla Erin, dejando solo en manos ajenas (y masculinas) al grupo la masterización. Esto si es feminismo bien entendido y no las paridas que rezan las pancartas que portan algunas pájaras del Movimiento 15-M.

 Hasta ahora su carrera ha estado mas o menos ligada a las de las Dum Dum Girls: empezaron casi a la par, sacaron ambas material en Captured Tracks (como las Aias) y Hozac Records y todas se declaran amigas de las Vivian Girls. Difiere en lo del éxito negado que decía al principio, y es algo que sigo sin comprender, pues ya no solo es que todo su material (este lp, 2 singles, un ep y un par de splits que aun no he conseguido escuchar) sea sobresaliente y fresquísimo, sino que el tema de estar o haber estado vinculado a Captured Tracks proporciona una inyección publicitaria que suele convertirse en hype al poco tiempo. Bueno, mejor que sigan así, a su bola, a que implosionen de éxito mercadotécnico.

 De las 12 canciones que conforman Call The Doctor 10 duran menos de 2 minutos, y las otras tampoco se van mucho mas lejos de dicha duración. Aquí encontramos espontaneidad que se va al extremo opuesto (tanto por duración como por virtuosismo) de lo que seria un lp de Popol Vuh o el enésimo peñazo de Rush. A veces parece que estemos escuchando el ep pop nunca grabado por las escocesas Lung Lee. Que tampoco da para hacer muchas cábalas la cosa, pues conforme estas sacando parecidos y nexos te das cuenta que has de cambiar la cara del vinilo porque se ha terminado de lo folladas que van las tías estas. Las canciones terminan casi antes de empezar, por absurdo y ridículo que parezca. Esto hace que resulte imposible destripar el disco canción a canción, claro, no tendría sentido redactar frases que se prolongan por mas tiempo del que dura la canción de la que hablan. Y mejor así.

 Pues eso, que le deis una oportunidad a estas jamelgas, que son las mejores. Y comprad bromuro por si algún día vienen a dar un concierto.

The Girls at Dawn – live (@ Mercury Lounge)

The Girls at Dawn – come here to die

Jeremy Jay se parece a lo que en el parque automovilístico seria un Talbot Horizon o un Lada Niva, claros referentes de errores de diseño, y para terminar de apañarlo la envergadura de sus extremidades conduce a pensar que cada cierto tiempo tiene que acudir a revisiones medicas por un mas que probable Síndrome de Marfan. Esto no es un faltar de modo gratuito, ya que le admiro, sino una introducción a la teoría conspiratoria que voy a dejar caer: el californiano no es noticia día si día también en las webs musicales por no ser un chulazo tipo Julian Casablancas. Discos y canciones tiene mas que de sobra como para figurar de continuo en Pitchfork, NME y, ejem, Jenesaispop, así que solo cabe pensar en un veto urdido por el contubernio islámico-vascuence o los reptilianos para explicar su ausencia en dichas páginas, máxime si sabemos que Jeremy viene entregando desde el 2007 un disco cada año que no baja del notable. No obstante, cada oyente ocasional de sus canciones termina deviniendo en fan. Un poco por el carisma del músico, otro tanto por las hechuras de pop atemporal que tienen y un mucho por la calidad irrebatible de las mismas.

Canciones de tan exquisito sonido responden, ademas de a un inmenso talento innato, a unas filias que le delatan como un aristócrata del buen gusto. Jeremy es un bon vivant que no deriva en hipster, es un anacronismo que revisa una y otra vez Vivir Su Vida (Jean Luc Godard) mientras degusta un brandy pero que también disfruta viendo cualquier peli de John Hughes con un cartón de Don Simón en la mano. Como ha de ser. Su aspecto le emparenta con Serge Gainsbourg (Jeremy es francófono y ha vivido bastante tiempo rodeado de gabachos), aunque la música que escucha va mas por Siouxsie & The Banshees, Jonathan Richman & The Modern Lovers, Suicide y demás triunfos nuevaoleros, sin dejar de lado a los Smiths, Sonic Youth y otros tantos imprescindibles, dando como resultado un sonido totalmente personal, en buena medida conseguido a través de tener muy claro como quiere sonar y producirse a si mismo las canciones. En dicho sonido personal e intransferible algo tiene que ver también ser amigo de Calvin Johnson (Beat Happening) y publicar los discos a su amparo en K Records.

Si bien lo lógico seria comentar su mas reciente (e ignoradísimo) disco, Dream Diary, prefiero hablar de Splash, lp que desde su publicación a mediados del 2010 pocas veces se ha movido de mis platos. Con una portada francamente horrible (que nos muestra a Jeremy en un parque con una pose y atuendo que nos puede llevara pensar que es un chapero venido de un pasado victoriano o un child molester esperando a que la muchachada acuda por allí), los créditos atribuyen al señor Jay las labores de producción, composición, mezcla, guitarra, piano, sintetizador y voz, quedando la guitarra rítmica para Jet Marshall, el bajo en manos de Tony Harewood y la bateria a cargo de Jacob Grace. Un poco por tener una banda con la que defender el disco de una manera normal en directo, porque fijo que, de habérselo propuesto, Jeremy habría podido prescindir de todos ellos. Vamos, que son contingentes por definición.

Splash resulta muy homogéneo tanto en cuanto al sonido que contiene como a la calidad de las canciones, donde lo heterogéneo viene marcado por un salto de calidad del notable al sobresaliente en las mismas. As You Look Over The City nos introduce en lo que sera el pop de maneras clásicas del disco, con la genial guitarra y Jeremy soltando los primeros gorgoritos afectados a la Morrissey. Bien. Just Dial My Number quizá sea la canción mas conocida del lp, pues conoció edición en 7¨ y videoclip promocional. Si las radioformulas funcionasen no movidas por maletines de discográficas esto habría sido numero uno un par de semanas seguidas como poco, pero a estas alturas es bastante cándido lamentarse por ello. Piano para el recuerdo que Jeremy sustituye en sus directos por un perfecto riff de guitarra, letra que hermana la canción con la inocencia de los grupos femeninos producidos por Phil Spector y anticipo del titulo del lp de este año, que debe todo su sonido a esta magnifica canción.

Splash pilla nervio y consigue ser así la canción mas guitarrera del disco, pero siempre manteniendo la elegancia de la que se impregna todo este álbum homónimo. Mención para una temática recurrente en las letras, los Jaguars, pero entendidos como animales, no como guitarras (también aparecen con este significado, dejando entrever la mitomanía de Jeremy). It Happened Before Our Time es el segundo tema sobresaliente del disco, con unas guitarras sencillamente perfectas, un Jeremy totalmente venido arriba en términos vocales y una letra que (probablemente me equivoque) alude a la extraña (y fascinante a la vez) película neozelandesa The Navigator: Una Odisea Medieval (Vincent Ward), con esa frase final de excavamos profundos túneles a través de las inacabables aceras. Nada, no hacerme ni caso.

A Sliver Of A Chance comienza con Jeremy declamando mas que cantando, en la mejor tradición Suicide, pero antes de llegar al minuto de canción las notas sostenidas estallan y adquieren una cadencia que nos acerca a los tiempos del pop superlativo, con un tramo final en el que se alternan los gorgoritos del californiano con lo que parece ser un laúd o un sitar que no figura en los créditos de producción. Magnifico nexo para preceder a la obra magna del disco y una de las mejores canciones de la pasada década, Hologram Feather. Esta obra maestra absoluta comienza con un Jeremy confesando que una Jaguar plateada y la emoción mas fuerte son algunas de las cosas por las que te recuerdo, lo que evidencia varias cosas: que la historia es real, que va dirigida a algún (o alguna) guitarrista (y presumiblemente cantante también, pues existe cierta ambigüedad con si escribe canciones dedicadas a el/ella o para que las cante, tipo Victor Sandoval con el disco del transexual conocido como Támara), que maneja las elipsis narrativas como pocos y que no le molesta abrir su corazón de un modo elegante. Ole. Por momentos la guitarra parece que va a irse por los acordes del famoso one hit wonder Liquido de Narcotic, pero ahí se queda la cosa, en un mero espejismo de plagio que encuentra su propio y brillante camino ayudándose de un teclado que sostiene las notas en los momentos previos a los anticlímaxs, de los que esta plagada la canción. Hasta en la letra, con un finalazo abrupto: conduje a San Francisco a solas para visitarte. Enorme, de verdad.

This Is Our Time, siendo buena con ganas, flaquea en comparación con la canción que sonó antes. La letra nos deja a un Jeremy henchido de amor soltando las promesas manidas que se suelen decir en estas circunstancias y que tantos facepalms provocan años después. Someday Somewhere es la canción mas liviana del disco, pero solo en duración, pues la intensidad regada de piano de esta pieza es considerable tanto por remitir al Richard Hawley mas en modo crooner como por la polisemia de la letra, que puede tratar tanto de un capricho momentáneo de Jeremy en forma de persona como de la desaparición de alguien para siempre, pasando por los fantasmas del pasado que adquieren forma corpórea. Y para cerrar el disco nada mejor que despedirse de forma elegante y coherente con la retórica Why Is This Feeling So Strong?, pegadizo medio tiempo donde Jeremy vuelve a hacer de impersonator de Morrissey, solo que contagiando del tono afectado del mancuniano la letra de la canción, con el clásico amor imposible que te carcome y te jode la vida.

Un discazo, vaya que si. Y Dream Diary, su continuación, mantiene el tipo, si bien se atraganta algo de primeras por su exceso de minutaje, eso que tanto daño hace al pop. Solo queda recomendar no os perdáis a Jeremy Jay en concierto, que merece la pena siempre (en su ultima visita a Madrid arranco casi tantos aplausos como Dolores). Le tenéis el 8 de Septiembre en el Nasti y el 10 en Barcelona.

Jeremy Jay – dial my number

Ha pasado casi un año desde que Salem publicasen este King Night, su debut, y en dicho lapso de tiempo Internet se ha visto salpicada por varias reseñas de marcado corte idiota, destacando por encima de todas la publicada en la web ¿musical? Jenesaispop. En ellas se ha enfatizado sobremanera la etiqueta de genial nombre pero necio significado witch house, así como la aseveración descriptiva Salem suenan como M83 en un walkman que se esta quedando sin pilas (y la variante que juega con la velocidad de giro del plato de cualquier tocadiscos), y ambas cosas  resultan autenticas aberraciones. Tanto por el flaco favor que hacen a uno de los grupos mas fascinantes que han aparecido en el cada vez mas homogéneo panorama internacional como por la manera de evidenciar la necedad de quien escribe las reseñas. Menos mal que Javier Blanquez y Juan Cervera, que si saben de lo que hablan y procuran hacer justicia (tanto al objeto de la critica como al oficio que supone escribir), equilibraron un poco la balanza con sendas criticas notables. Otra cosa bastante molesta es el hincapié puesto en la supuesta drogadicción y pasado gayer (en su modalidad de pago) de John Holland, uno de los 3 miembros del grupo, convirtiendo toda reseña en algo mas próximo a un testimonio de superación de cualquier carguito de la Fundación de Ayuda Contra la Drogadicción simulando ser un ex yonqui que en una critica musical propiamente dicha. Así no, joder; a un grupo con un sonido tan etéreo y misterioso como Salem no se le puede tratar como a una Amy Winehouse de la vida. Casi mejor todo lo contrario: habida cuenta que ellos dosifican al máximo la información que quieren se sepa (ahí están las enigmáticas portadas de los eps anteriores a King Night para atestiguarlo), no vengáis a hacer periodismo rosa musical hablando de lo que carece de importancia al comentar una obra semejante. Llegáis, citáis sus nombres (Jack Donoghue, Heather Marlatt y el ya mentado John(ki) Holland), sus influencias o lo que creáis que pueden serlo (Boards of Canada, Aphex Twin, M83, My Bloody Valentine, Portishead, Dead Can Dance, Angelo Badalamenti/Julee Cruise, Atari Teenage Riot, con quienes comparten productor, y, por supuesto, Burial, al que tenían que haber imitado en cuanto a preservar la imagen misteriosa) y pasáis a comentar la música. De aquella manera. Vuestra manera.

 (Nota: en esta ocasión no voy a hacer alusión alguna al contenido de las letras de las canciones. Prefiero que permanezca el halo de misterio que da ese i love you de otra dimensión que abre el disco)

King Night es uno de los discos mas cinematográficos que uno se pueda echar a las orejas, cada corte parece concebido para acompañar una secuencia de cualquier película de cadencia sonámbula que se os ocurra, o directamente toda la filmografía de Jean Rollin, que para el caso es lo mismo. Esto no es descabellado, pues Salem lo han dejado entrever con los magníficos videos que ellos mismos elaboran y lo han confirmado reconociendo al cine como principal influencia, por encima de cualquier grupo o genero. King Night abre con unos coros que compiten con lo que aun no se si son guitarras o sintes saturados, y la canción encajaría perfectamente como acompañamiento a la persecución de Robert Mitchum a los huérfanos en La Noche Del Cazador (Charles Laughton) o como sustitución de la versión del Song To The Siren a cargo de This Mortal Coil en un pasaje muy determinado de Carretera Perdida (David Lynch). Asia es, sencillamente, una canción que no te puedes sacar de la cabeza ni con una autotrepanación, pareciendo cosa de un Gary Numan ocultista. Si bien el video rodado por Salem se me antoja perfecto, no desentonaría como cierre en Acoso En La Noche (Jean Rollin), mientras vemos a Brigitte Lahaie y Vincent Gardere andar cogidos de la mano y desposeídos de toda voluntad a una muerte segura. Que canción y que final, parecen hechos para encajar quirúrgicamente. Frost, con los susurros de Heather imbuyendo toda la canción de un tono fantasmagórico que recuerda a la simbiosis perfecta entre Bilinda Butcher y Julee Cruise, bien podría ser (el titulo no creo que sea casual) cualquier canción cantada por esta ultima en la cantina de la serie Twin Peaks (David Lynch/Mark Frost). Romanticismo de otra dimensión.

Sick, con unas bases que parecen haberse tomado lidocaína mientras eran programadas, cuenta con un rapeo grave y desganado que recuerda a las amenazadoras primeras apariciones de Freddy Krueger en Pesadilla En Elm Street (Wes Craven), cuando el psicópata aun no era un sátiro y daba autentico canguelo al erigirse en Dios único del mundo de los sueños (y, por lo tanto, hacer y deshacer a su antojo la poca lógica que sustentaba el mundo de lo onírico). Release Da Boar es la mezcla perfecta entre M83 y My Bloody Valentine, con unas frecuencias que parecen venir de otro plano dimensional o, simplemente, recordarnos que quienes estamos al otro lado, realmente, somos nosotros, como sucede a lo largo de Carnival Of Souls (Herk Harvey). Trapdoor retoma los fraseos psicopáticos y añade casi a la mitad del tema una línea de sinte que sera lo mas festivo (dentro de los márgenes anestesiados en los que se mueven Salem) que oiremos en todo el disco. Un poco morir, desprenderte de tu cuerpo e irte de fiesta velando por alguien en una ciudad de neón, como sucede en Enter The Void (Gaspar Noé). Redlights nos devuelve a Heather, solo que acompañada esta vez de un sinte sostenido que juguetea con frecuencias casi propias del acid, y podría musicar perfectamente la excursión a la luz del día a las rocas de las colegialas de Picnic En Hanging Rock (Peter Weir) o cualquiera de los sueños de La Ultima Ola (de nuevo Peter Weir). Hound, con esas percusiones casi tribales y el aire trágico de los sintes, habría quedado de maravilla en el críptico y alucinado final de Les Herbes Folles (Alain Resnais). Como si lo viese.

Traxx no deja de lado las percusiones tribales, y el tono de Heather suena marcadamente depresivo en esta ocasión, como anticipando algo inminente o lamentándose por la mierda de realidad que le ha tocado vivir. Niquelada para el ultimo plano fijo en forma de fresco vivo que se muestra en Canciones Del Segundo Piso (Roy Andersson). Tair samplea bombos del Wake Up de Laurent Garnier y, sin ser mala canción, quizá sea la única prescindible del disco, pues es la que mas se asemeja al hip hop convencional. Por ese mismo detalle tampoco se puede asociar a una película de ambiente somnoliento, por lo que da igual que diga que le pega a la TV Movie Felipe y Letizia (Joaquín Oristrell) mientras Marichalar se canta unas rimas guapas en una narcocena fuera de plano que a Simón Del Desierto (Luis Buñuel), entendiendo que las rimas son las cosas que le dice el estilita al diablo. Killer nos saca del agradable amodorramiento en que nos ha sumido todo el disco, cerrando con esta coda que resulta muy próxima al shoegaze de toda la vida, solo que con la acostumbrada voz cansada, casi hastiada. La explosión de ruido como contraste a lo perezoso de las bases y la voz hace que sea perfecta para acompañar otro final de película de Jean Rollin, concretamente el de La Vampiresa Desnuda y su recurrente (en la filmografía del francés) playa, la cual observa como dos amantes enfrentan amor y muerte para trascender lo fútil de su vida. Que dicho así parece una mariconada, claro, lo suyo es ver la escena con la canción de fondo.

Un disco casi perfecto, realmente sugerente y misterioso, de atmósferas etéreas y extrañamente románticas. Imprescindible, tanto por la música que contiene como porque nos recuerda que las pesadillas, casi siempre, son mejores que la realidad. Y si no os lo creéis, ahí queda la venidera reforma constitucional que nos vamos a chupar para demostrarlo. A tope con la democracia, claro que si.

Salem – asia

Que difícil es acercarse a un nuevo disco de Comet Gain y no hacer el ridículo al tratar de desentrañar todo lo que contiene, tanto en lo musical como en lo emocional. Sobre todo teniendo en cuenta que David Christian Feck (su fundador y principal compositor) vive en un mundo de fracasos, pataletas y férrea resistencia a todo cambio como negación de la posibilidad de ser alienado y, por tanto, poder vivir así su vida, mas allá que esta decisión le reporte mas lagrimas que sonrisas. No se pueden desvincular estas constantes biográficas en David Feck de la obra de Comet Gain; de cometer tamaño error no se enteraría uno de nada, la verdad. Si acaso rescataría un par de canciones para una lista de reproducción de su ordenador  o reproductor portátil y listos, a por el próximo disco de los 6 gigas de música que has descargado durante el día para estar siempre a tope con las tendencias y con las cosas que lo petan, mas allá que te importe una mierda lo que escuchas y lo que digan. Como el espectador medio de Benicassim, ¿no? Por desgracia así suele ser las más de las veces, pero Comet Gain es un grupo para quienes gustan de la música, y todavía mas para quienes enarbolan el famoso aforismo de Nietzsche como leitmotiv, aquel precioso y certero sin la música la vida sería un error. De hecho me atrevería a aventurar que es el último grupo autentico que queda en el panorama foráneo, con una actitud irreprochable llena de rabia, desencanto, sumatorios de decepciones, contradicciones, melancolía, alcoholismo y ternura. Lo único que se le podria echar en cara a David es su amistad con Kiko Amat (que ya hizo un spoken word pseudoanarcobohemio en Jasper Johns), si bien es cierto que de no existir tal nos habriamos perdido el magnifico split single de Comet Gain con Hello Cuca en Doble Vida Discos. Lo reitero, por si no ha quedado claro: a este hombre se le aprecia por sus logros, pero se le termina adorando por sus errores, admirando en todo momento su capacidad para no desistir.

Howl Of The Lonely Crowd es su primer disco (si consideramos el proyecto Cinema Red & Blue a pachas con Cristal Stilts como un divertimento etílico de David Feck con sus colegas) en 6 años, desde aquel lejano y cuasi perfecto City Fallen Leaves. Uno mira la foto de la actriz maldita Carol White que ocupa la portada, sopesa el disco por primera vez, saca el vinilo, se enciende un cigarro, lo pone en el tocadiscos y se dispone a echar un ojo al inserto, que sigue estando hecho a base de recortes, garabatos y fotos en medio del habitual look fanzinero marca de la casa desde sus primeros discos (los magníficos Casino Classics, Tigertown Pictures y el insuperable Realistes), y repara en un nombre mientras la aguja se aproxima a los surcos de la primera canción: Edwyn Collins. Este señor, fundador de algo tan importante como los Orange Juice y pieza fundamental en Postcard Records, además de merecer alguna distinción por parte del gobierno de Escocia como pionero de todo lo venidero a partir de su grupo, ha tenido a bien producir el disco, pese a lo difícil que es hacer algo así tras estar aun recuperándose de sendas hemorragias cerebrales sufridas en Febrero del 2005. Imagino que se habría emocionado al escuchar las demos que le paso David Feck y que tendría ganas de devolverle el favor que este último le hizo cuando saco el insuperable 7¨ You can Hide Your Love Forever en claro homenaje a Orange Juice y su persona, porque benditas las ganas de estar si no en un estudio tocando cacharros mientras se te cae la baba sobre los leds y los potenciometros cuando tendrías que estar en cama… También cabe mentar los nombres de Alasdair Maclean (The Clientele) y la sevillana Lupe Nuñez Fernández (Pipas), que colaboran haciendo un poco de todo y han formado un grupo llamado Amor De Días. Pero vamos al tema:

Clang of the concrete swans abre la cara a dejando para la posteridad un HIMNO acojonante, con una energía que remite a los Replacements mas descontentos con el mundo que les ha tocado vivir. Probablemente terminara el presente año y no se editara mejor canción (salvo que Veronica Falls sorprendan en lo que será su primer larga duración). Las sentencias de desarraigo que pueblan la letra son muchísimas, incluyendo suicidios en baños y la voluntad de escapar en los sueños, escapar lejos de aquí, esa voluntad de escapismo de la mierda que te circunda que nadie (salvo uno mismo) te puede arrebatar jamás; no menos curiosos es que David Feck aun tiene humor para hacerse un guiño a sí mismo con ese no puedes ocultar tu odio por siempre, que viene a demostrar otra vez su espíritu contradictorio. Sigue el jolgorio upbeat con The Weekend Dreams, que ya conoció un planchado en vinilo en una de las caras del split con las magnificas Hello Cuca citado en el primer ladrillazo. Era una versión distinta, eso sí: respondía a la petición de Kiko Amat de entregar un himno modpop furioso y bailable. La que nos ocupa fue revisada según las sugerencias de Edwyn Collins (mejor), y anticipa el coro respecto a la antigua. Canta Rachel Evans (junto con Kay Ishikawa la parte más estable en el tiempo de Comet Gain) otra magnifica letra acerca de expectativas de fin de semana, decepciones y el deseo de ser, suceder y/u ocurrir.

An arcade from the warm rain that falls sigue sin dar tregua en lo musical, continuando con la dinámica de las 2 canciones iniciales solo que añadiendo el desquiciado violín de Ryan Jarman.. El titulo es un parafraseo de Williams Burroughs (en su plano vital, no el literario) cuando era un beatnick muy a su pesar en Paris. De nuevo la letra habla de decepciones por el cariz de las circunstancias de otros y uno mismo, pero sin ser una cosa lastimera y mentando varios parques que imagino del agrado de David Feck. She had daydreams baja el tempo para irse a describir una historia ficticia de corte melancólico; repite el violín de Ryan y la canción, que ya apareció en su día como cara b de un single inencontrable. Fijo que David Feck sitúa adrede este parón como corte nº 4 para que, de alguna manera, descansemos ante lo que está por venir, que es cosa fina…

Y uno no se equivoca, porque Comet Gain son predecibles para bien: los 3 cortes que cierran la cara a del disco (Working circle Explosive!, Yoona baines y Herbert huncke part. 2) son 3 pepinazos sónicos que deberían sonar demoledores en directo de no ser por lo desastrosos (para bien de nuevo, o eso tengo entendido) que resultan cada vez que se reúnen para dar un concierto. La primera (que ya salió como adelanto en un split con Cristal Stilts) iba para cara b psicodélica de 8 minutos, pero Alasdair convenció a David Feck durante una ingesta de hongosalucinógenos de llevarla a un terreno mas jangle y así ha quedado, mientras Rachel berrea acerca de las Baader Mainhoff y el importante papel que jugaron en la sociedad alemana (que diferencia con la biodanza y las payasadas del Movimiento 15M, ¿eh?). Yoona baines es un homenaje doble, tanto por el nombre (Una Baines, teclados en The Fall, Blue Orchids y músico de acompañamiento de la inconmensurable Nico cuando giraba entre pico y buco) como por el riff principal (Dead deat descendant, de The Fall otra vez). Con la voz ya casi desgañitada de Rachel y el teclado loco queda un autentico pelotazo. No iba a ser menos Herbert Hunke part 2 (la parte 1ª ya apareció en su single homónimo), que toma prestado el sublime Sister Ray de la Velvet Underground para pitchearlo mientras rinden homenaje a un escritor de la generación beat algo desconocido en comparación con sus camaradas Allen Ginsberg y Jack Kerouac. David Feck se siente tan cómodo que incurre en una de sus filias preferidas, proferir palabrotas e insultar a quien cree merecedor de ello. Lo que no sé es si parafrasea a Herbert o es su opinión, ya que en España no recuerdo que exista nada editado de este señor…

La cara b comienza con After midnite, after its all gone wrong, composición que David descarto para el disco de Cinema Red & Blue. Una suerte de balada uptempo con una letra muy melancólica acerca del clásico ¿y que estará haciendo ahora? que nos retrotrae a grandes obras similares de Comet Gain como Steps to the sea, con ese final semioptimista (no te rompas, es solo el dolor de recordar) pero jodidamente doloroso. A memorial for nobody i know es el clásico tema hablado de todo disco de Comet Gain, con la guitarra de Alasadir y un guiño a Paddy McLeann. Ballad of frankie Machine pone a la voz de nuevo a Rachel Evans en otra de las constantes en la carrera de Comet Gain, el guiño cinematográfico. Teniendo especial querencia por la nouvelle vague y el free cinema, en esta ocasión tiran del personaje principal de This Sporting Life (aquí llamada El Ingenuo Salvaje) para hablar de esas ocasiones en las que das todo para recibir nada, como le sucedía al asilvestrado protagonista de la película con la viuda a la que pretendía sacar de su perenne enfurruñamiento (dos actitudes muy Comet Gain, dicho sea de paso). Some of us dont want to be saved, de titulo revelador y cadencia reposada e intima, no deja de ser otro homenaje a los héroes del imaginario personal de David: Dan Treacey, Alex Chilton, Lawrence Hayward, Dexys Midnight Runners, The Go-Betweens, New Order, Jonathan Richman, Paul Westerberg etc etc. Ese pedir nuevas oportunidades para rechazarlas al instante una vez concedidas, como una extraña confirmación de negarte a dar tu brazo a torcer. Enorme. Thee ecstatic library es otro homenaje, pero ya en genérico, pues va dirigido a la música en general, con una certeza expresada en condicional tan verdadera como la música podría salvarte y un guiño en el teclado al Funky Town de Lipps. Inc. Y cierra el disco (como no podría ser de otra forma) otro homenaje, el ultimo en la concatenación de ellos en esta cara b, In a lonely place, intimísima canción a mayor gloria de la brillante película homónima de Nicholas Ray (En Un Lugar Solitario, aquí en España). David Feck pone en su boca el tremendo fragmento de guion que lee Humphrey Bogart en un momento dado del film: naci cuando me beso, morí cuando me dejo, viví unas pocas semanas mientras me quiso. Desde luego que es una canción excepcional, pero no apta para noches en las que se eche de menos a alguien, más allá que la imposibilidad de ver a la persona añorada resida en la distancia, las diferencias irreconciliables o en cualquier otro motivo.

Howl of the lonely crowd es otro triunfo en la carrera de Comet Gain, casi a la par de grande que Realistes, y el mejor disco con diferencia de lo que llevamos de 2011. Si sois acólitos del grupo imagino que lo escrito no os pillara de nuevas (y os parecerá una puta mierda, todo sea dicho), pero si este texto ha servido para despertar vuestra curiosidad no queda más que sentirme satisfecho y solicitar acudáis a la web de Fortuna Pop Records para encargar el vinilo, que sale por 11 libras de nada (gastos de envio incluidos). Claro que igual la miseria humana y el orgullo de ser un paria no es lo que más se demanda en términos musicales a día de hoy…

Comet Gain – clang of the concrete swans

Klartraum es la asociación musical entre Helmut Ebritsch y Nadja Lind, el dúo de Berlín productores de creaciones electrónicas para sellos tan importantes como puedan ser Soma, Darkroom Dubs y Morris Audio , por nombrar sólo algunos. Ebritsch y Lind se unieron allá por el 2006 y desde entonces trabajan sin descanso para perfeccionar su sonido único y lleno de energía y en sus lives sets, siendo reconocidas sus producciones por artistas de la talla de Luciano, Josh Wink o Steve Bug.

“Evolution” es el álbum debut de Klartraum publicado bajo licencia de su propio sello Lucidflow, con el objetivo de darnos a conocer la pasión entusiasta musical del dúo y la destreza de producción. Klartraum significa en alemán ” fase de sueño lúcido”, ese momento en que te das cuenta de que está soñando y eres capaz de manipular tu entorno. El nombre es adecuado para un acto que evidentemente aporta un elemento espiritual fuerte a su música, un elemento que se refleja tanto en el sonido rico en matices y los títulos emotivos.

Klartraum se enorgullecen de un estilo de producción donde trabajan a una velocidad vertiginosa que no nace de una excesiva prisa por hacer las cosas, sino más bien de un flujo que, obviamente, nace del trabajo de ambos en el estudio. Sus propias producciones y sus remezclas están esculpidas en un estilo de jam session , dando a su música una sensación orgánica y fluida, tan echada en falta en la mayoría de producciones electrónicas.

Estilísticamente, “Evolution” se encuentra en el espacio entre house y techno, sobre una base de ritmos despojados que nos enseña la percusión y efectos que junto a los sonidos claramente minimales,  las sutiles melodías y los sonidos atmosféricos proporcionan una profundidad que lo lleva más allá de las pistas de baile.El tintineo de llaves y los acordes de “Angelo”o los riquísimos pads y las hermosas melodías de “Shadow Unique”, por poner algún ejemplo, ponen de manifiesto la musicalidad del álbum.

Formado por 15 composiciones muy trabajadas, ”Evolution” tendrá su propio disco de remezclas con las pistas originales del Lp revisionadas por artistas como Terry Francis, Silicone Soul, Steve Rachmad, UGLH, Mark Henning .

Tracklist:

1. Unique Shadow
2. Push Yourself
3. Past Lives
4. Lenny
5. Substance
6. Neti Neti
7. Pain Relief
8. Growth
9. Passion
10. All Dimensions
11. Angelo
12. Beyond Illusion
13. Causal Waves
14. Inner Sky
15. Unique Self